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Galleria Wallworks

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112 risultati

STREETSIGN 06, Jana & Js - JANA & JS - SANS TITRE (STREETSIGN 06), Ø 60 cm, inchiostro, vernice spray e stencil cartello stradale vintage, 2022Gli street artist austriaci e francesi Jana & Js dipingono insieme dal 2006 e creano murales policromi con stencil di varie dimensioni. Basati principalmente sul loro lavoro fotografico personale, gli stencil sembrano rispondere e interagire con l'ambiente circostante.Ispirati per lo più dalla città e dalle persone che la abitano, i loro dipinti fondono paesaggi urbani o dettagli architettonici con il ritratto, interrogandosi sul posto dell'essere umano nelle città moderne. Ispirati dal luogo in cui hanno realizzato il loro lavoro, ora si concentrano sulla nostalgia, sulla malinconia. Dopo aver trascorso un periodo a Madrid, in Spagna, dove si sono conosciuti, e aver vissuto un paio d'anni a Parigi, Jana & Js si sono ora stabiliti a Laufen (Germania), una piccola città bavarese vicino al confine austriaco.Per esporre le loro opere, scelgono materiali antichi che mostrano il passare del tempo fisico e della storia. Hanno realizzato la loro arte in spazi inaspettati stampando stencil su infrastrutture pubbliche o su prodotti/spazi semilavorati/smantellati come binari del treno, vecchi edifici, pali, pezzi di cemento, vecchi camion, cataste di legno... Sono profondamente ispirati da ogni luogo in cui viaggiano, decifrando il significato sociale in aspetti imprevisti dei paesaggi urbani. Ma ciò che colpisce maggiormente nelle loro opere non sono i panorami in sé, bensì le persone con il loro disagio esistenziale. Hanno un modo unico di mettere in relazione le persone, le loro emozioni, i loro desideri e le loro preoccupazioni con l'ambiente.I loro interventi urbani fondono i soggetti con l'ambiente, provocando riflessioni e coinvolgendo gli spettatori in un dialogo artistico.

1.900 EUR

STREETSIGN 08, Jana & Js - JANA & JS - SANS TITRE (STREETSIGN 08), Ø 60cm, ink, spraypaint and stencil vintage street sign, 2022 Austrian and French street artists Jana & Js are painting together since 2006.The pair create polychromed stencil murals widely ranging in size. Based primarily on their personal photographic work, the stencils seem to respond and interact with their surroundings.Mostly inspired by the city and people living in, their paintings merge urban landscape or architecture details with portrait, questioning the place of human being in the modern cities. Inspired by the place where they put their work they now focus on nostalgie, melancholy. After spending some time in Madrid, Spain where they met and living a couple of years in Paris, Jana & Js are now settled in Laufen (Germany) a small bavarian town close to the austrian border.To display their works, they choose old materials that are showcasing the passing of physical time and history. They have made their art in unexpected spaces by printing stencils on public infrastructure or on the semi-finished/dismantled products/spaces such as the train tracks, old buildings, poles, pieces of concrete, old trucks, wood piles... They are deeply inspired by every place they travel to, deciphering the social meaning in unforeseen aspects of urban landscapes. But what is the most striking part in their works are not panoramas themselves, but people with their existential uneasiness. They have the unique way of relating people, their emotions, desires and concerns with their environment.Their urban interventions merge their subjects with the environment, provoking thoughts and engaging the viewers in an artistic dialogue.

1.900 EUR

STREETSIGN 09, Jana & Js - JANA & JS - SANS TITRE (STREETSIGN 09), Ø 60cm, ink, spraypaint and stencil vintage street sign, 2022 Austrian and French street artists Jana & Js are painting together since 2006.The pair create polychromed stencil murals widely ranging in size. Based primarily on their personal photographic work, the stencils seem to respond and interact with their surroundings.Mostly inspired by the city and people living in, their paintings merge urban landscape or architecture details with portrait, questioning the place of human being in the modern cities. Inspired by the place where they put their work they now focus on nostalgie, melancholy. After spending some time in Madrid, Spain where they met and living a couple of years in Paris, Jana & Js are now settled in Laufen (Germany) a small bavarian town close to the austrian border.To display their works, they choose old materials that are showcasing the passing of physical time and history. They have made their art in unexpected spaces by printing stencils on public infrastructure or on the semi-finished/dismantled products/spaces such as the train tracks, old buildings, poles, pieces of concrete, old trucks, wood piles... They are deeply inspired by every place they travel to, deciphering the social meaning in unforeseen aspects of urban landscapes. But what is the most striking part in their works are not panoramas themselves, but people with their existential uneasiness. They have the unique way of relating people, their emotions, desires and concerns with their environment.Their urban interventions merge their subjects with the environment, provoking thoughts and engaging the viewers in an artistic dialogue.

1.900 EUR

STREETSIGN 14, Jana & Js - JANA & JS - SANS TITRE (STREETSIGN 14), Ø 60cm, ink, spraypaint and stencil vintage street sign, 2022 Austrian and French street artists Jana & Js are painting together since 2006.The pair create polychromed stencil murals widely ranging in size. Based primarily on their personal photographic work, the stencils seem to respond and interact with their surroundings.Mostly inspired by the city and people living in, their paintings merge urban landscape or architecture details with portrait, questioning the place of human being in the modern cities. Inspired by the place where they put their work they now focus on nostalgie, melancholy. After spending some time in Madrid, Spain where they met and living a couple of years in Paris, Jana & Js are now settled in Laufen (Germany) a small bavarian town close to the austrian border.To display their works, they choose old materials that are showcasing the passing of physical time and history. They have made their art in unexpected spaces by printing stencils on public infrastructure or on the semi-finished/dismantled products/spaces such as the train tracks, old buildings, poles, pieces of concrete, old trucks, wood piles... They are deeply inspired by every place they travel to, deciphering the social meaning in unforeseen aspects of urban landscapes. But what is the most striking part in their works are not panoramas themselves, but people with their existential uneasiness. They have the unique way of relating people, their emotions, desires and concerns with their environment.Their urban interventions merge their subjects with the environment, provoking thoughts and engaging the viewers in an artistic dialogue.

1.900 EUR

Revolution 81, SONIC BAD - SONIC BAD - Revolution 81, Acrylic and ink spray on canvas, 153x153, 2022Born summer of 1961and raised in New York City. In the early 1970′s, during the time of Hip-Hop’s beginnings, when graffiti was relegated to tags and bubble letters, Sonic brought unique artistic elements to graffiti. Pioneering graffiti styles still used today. Sonic is regarded for his bold colors and creating many different graffiti lettering styles, such as: folding / ribbing letters, and his aptitude for transforming letters into characters and figures. In the early 1980’s he painted the infamous “Revolution” and “World War III” top to bottom on NYC subway cars. Sonic painted trains with graffiti artists such as Rammellzee, Dondi, IZ the Wiz and Ink76, just to name a few. Sonic went on to be one of the most prolific muralists of his time.His graffiti has been photographed by Martha Cooper and Henry Chalfant and showcased in many books, magazines, movies such as “Wild Style”, “Style wars”, “Beat Street”, “Subway Art” and “Hip Hop Files” just to name a few, also video games, fashion, galleries, and walls throughout the last four decades and has made an indelible mark on the Hip Hop Culture.Sonic travel internationally bringing his graffiti culture, full of bold colors and original hip hop style, to countries such as Germany, Amsterdam, Indonesia, Hong Kong, Singapore, Italy, Belgium,Spain and throughout France, while still exhibiting in New York.

7.500 EUR

Non-point sources, Hendrick Czakainski - Hendrick Czakainski - Non-point sources,139x89cm, 2022Ordre et chaos s’harmonisent avec une rare habileté dans les œuvres en trois dimensions de l’artiste allemand Hendrik Czakainski. À première vue abstraites, ses compositions colorées s’avèrent bien concrètes lorsque, s’en approchant, on découvre la multitude de constructions qui s’y enchevêtrent tout en faisant mine de rester sagement alignées. Ce ne sont pas des villes à vivre mais des architectures imaginaires, des vestiges du futur où la présence humaine est figurée par les lignes et les formes de tracés urbains comme vus du ciel.Dans son atelier berlinois, Hendrik Czakainski construit une œuvre qui allie environnements urbains et paysages, où la nature n’est jamais très loin. Semblant parfois être habitées, ailleurs en partie dévastées par d’hypothétiques ouragans, ses sculptures murales renvoient tout à la fois à des notions de globalisation et d’industrialisation, d’environnement et de changement climatique. Mais l’artiste n’en donne pas les clefs, à chacun d’y trouver ce qu’il veut y voir.D’abord peintre, Hendrik Czakainski conçoit depuis près de dix ans des architectures imaginaires qu’il présente en sculptures murales. Après avoir enseigné l’architecture à l’école technique Beuth de Berlin, il se consacre désormais entièrement à la création artistique. De l’architecture, il confie être particulièrement inspiré par celle rencontrée lors de ses voyages dans les grandes villes d’Asie du Sud Est, dans les documentaires ou au cinéma, comme par exemple les cités futuristes des films de science-fiction contemporains.Comme s’il revenait à ses premières amours de peintre, il s’intéresse aujourd’hui davantage à la couleur qu’il emploie plus volontiers. Son procédé de création a également évolué, en ce sens qu’il ne conçoit plus ses constructions directement sur le support mais en amont : il les dispose ensuite dans l’œuvre et s’en sert comme autant d’éléments distincts, à la manière des pixels d’une image ou des pigments d’une couleur. Cette liberté lui permet une plus grande rigueur dans chaque composition, et le loisir de donner forme à ses constructions tant par la disposition des éléments architecturaux prédéfinis, par leur couleur que par les ombres portées qu’il y intègre au pinceau.

6.500 EUR

Sans titre (Grise), NEBAY - NEBAY - Sans titre (Grise), 180x150cm, 2022Sans jamais quitter le mur ou l’intervention en rue, Nebay est de ces artistes de graffiti pour qui le passage à la toile est un élément supplémentaire, source d’expériences et riche en découvertes. Son style est inspiré par ses pairs new-yorkais, il est parmi les premiers à expérimenter le dripping – jets de peinture au sol – sur les trottoirs parisiens et sur la toile. Riche, coloré et rempli d’énergie, son univers mixe pêle-mêle affiches détournées, taches colorées et abstraites, wild style et dripping sur toile, porteur d’un message de colère toujours empreint d’espoir. Graffeur parisien depuis plus de 30 ans, avide de créations murales, Nebay commence à graffer en 1987 dans les rues de Paris et intègre le collectif JCT – Je Cours Toujours à 100 à l’heure. Né en 1973, Nebay est un artiste de rue qui s’inscrit dans son temps et investit son environne- ment : la ville. Il aime dire qu’il est « un jardinier du béton qui fait pousser de la couleur ». C’est au début des années 2000, lors d’un voyage initiatique de plusieurs mois à travers le monde, que se produit le déclic : aller au bout de ses rêves, voir grand. Ses lectures, rencontres et la découverte des pays qu’il traverse – Russie, Mongolie, Chine, Vietnam, Cambodge, Laos et Thaïlande – lui font prendre conscience du monde qui l’entoure et de ce qu’il souhaite laisser comme trace. De retour en France, il provoque sa chance et change de vie pour devenir artiste à part entière. Le graffiti est un art éphémère, qui foisonne et l’oblige à se réinventer et à se dépasser sans cesse. Le graffiti correspond bien plus, finalement, à un style de vie. En résonance avec l’espace où il s’exécute, il rend l’expérience vivante : sensations de peindre dehors, en extérieur, dans les rues, sous les ponts, dans des lieux abandonnés... Les façades travaillées sont dynamiques, elles présentent des irrégularités qui ne se retrouvent pas sur toile. En s’appropriant l’espace public et la rue, Nebay s'inscrit dans une démarche ancienne de participation à la vie de la cité. Le graffiti, pratique illégale, devient un acte politique : il appartient à la sphère publique, tout en véhiculant un message à connotation politique, sociale ou environnementale. Nebay veille toujours à transformer son support en un véritable pan de mémoire : mémoire collective, mémoire des événements, mémoire individuelle... en y exprimant sa recherche identitaire, ses sentiments, ses déclarations et hommages. Les visiteurs de ses expositions s’autorisent ainsi à voyager en sa compagnie, captant les émotions que l’artiste leur transmet généreusement. 

8.500 EUR

Symphonie stellaire Opus 1, NEBAY - NEBAY - Symphonie stellaire Opus 1, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su tela, 200 x 140 cmSenza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

9.500 EUR

Triften, Hendrick Czakainski - Hendrick Czakainski - Triften, 2022, Tecnica mista su legno Ordine e caos si armonizzano con rara maestria nelle opere tridimensionali dell'artista tedesco Hendrik Czakainski. A prima vista astratte, le sue composizioni colorate si rivelano piuttosto concrete quando ci si avvicina ad esse e si scopre la moltitudine di costruzioni che si intrecciano fingendo di rimanere sapientemente allineate. Non si tratta di città da vivere, ma di architetture immaginarie, vestigia del futuro in cui la presenza umana è rappresentata dalle linee e dalle forme dei tracciati urbani come se fossero visti dal cielo.Nel suo studio di Berlino, Hendrik Czakainski costruisce un corpus di opere che combinano ambienti urbani e paesaggi, dove la natura non è mai lontana. Talvolta sembrano essere abitate, altrove parzialmente devastate da ipotetici uragani, le sue sculture a parete fanno riferimento a nozioni di globalizzazione e industrializzazione, all'ambiente e al cambiamento climatico. Ma l'artista non dà le chiavi, quindi sta a ciascuno trovare ciò che vuole vedere.Originariamente pittore, da quasi dieci anni Hendrik Czakainski progetta architetture immaginarie che presenta come sculture murali. Dopo aver insegnato architettura alla Scuola Tecnica Beuth di Berlino, si dedica interamente alla creazione artistica. Per quanto riguarda l'architettura, confida di essere particolarmente ispirato da quella incontrata durante i suoi viaggi nelle grandi città del Sud-Est asiatico, nei documentari o al cinema, come le città futuristiche dei film di fantascienza contemporanei.Come se stesse tornando al suo primo amore di pittore, ora è più interessato al colore, che usa con più facilità. Anche il suo processo creativo si è evoluto, nel senso che non concepisce più le sue costruzioni direttamente sul supporto, ma prima: poi le dispone nell'opera e le utilizza come tanti elementi distinti, alla maniera dei pixel di un'immagine o dei pigmenti di un colore. Questa libertà gli consente un maggior rigore in ogni composizione e la libertà di dare forma alle sue costruzioni sia attraverso la disposizione degli elementi architettonici predefiniti, sia attraverso il loro colore e le ombre proiettate dal pennello.

17.000 EUR

Tecnofossils, Hendrick Czakainski - Hendrick Czakainski - Tecnofossils (diptyque) 139x89x2, 2022Ordre et chaos s’harmonisent avec une rare habileté dans les œuvres en trois dimensions de l’artiste allemand Hendrik Czakainski. À première vue abstraites, ses compositions colorées s’avèrent bien concrètes lorsque, s’en approchant, on découvre la multitude de constructions qui s’y enchevêtrent tout en faisant mine de rester sagement alignées. Ce ne sont pas des villes à vivre mais des architectures imaginaires, des vestiges du futur où la présence humaine est figurée par les lignes et les formes de tracés urbains comme vus du ciel.Dans son atelier berlinois, Hendrik Czakainski construit une œuvre qui allie environnements urbains et paysages, où la nature n’est jamais très loin. Semblant parfois être habitées, ailleurs en partie dévastées par d’hypothétiques ouragans, ses sculptures murales renvoient tout à la fois à des notions de globalisation et d’industrialisation, d’environnement et de changement climatique. Mais l’artiste n’en donne pas les clefs, à chacun d’y trouver ce qu’il veut y voir.D’abord peintre, Hendrik Czakainski conçoit depuis près de dix ans des architectures imaginaires qu’il présente en sculptures murales. Après avoir enseigné l’architecture à l’école technique Beuth de Berlin, il se consacre désormais entièrement à la création artistique. De l’architecture, il confie être particulièrement inspiré par celle rencontrée lors de ses voyages dans les grandes villes d’Asie du Sud Est, dans les documentaires ou au cinéma, comme par exemple les cités futuristes des films de science-fiction contemporains.Comme s’il revenait à ses premières amours de peintre, il s’intéresse aujourd’hui davantage à la couleur qu’il emploie plus volontiers. Son procédé de création a également évolué, en ce sens qu’il ne conçoit plus ses constructions directement sur le support mais en amont : il les dispose ensuite dans l’œuvre et s’en sert comme autant d’éléments distincts, à la manière des pixels d’une image ou des pigments d’une couleur. Cette liberté lui permet une plus grande rigueur dans chaque composition, et le loisir de donner forme à ses constructions tant par la disposition des éléments architecturaux prédéfinis, par leur couleur que par les ombres portées qu’il y intègre au pinceau.

13.000 EUR

Axe rouge, KAN - KAN - Asse rosso, 2015, pennarello su lastra smaltata, 25 x 45 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

800 EUR

Nationalgraff, PERSUE - PERSUE - Nationalgraff, 2015, acrilico su barriera edilizia in legno di New York, 18 x 95 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio del seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "PUBLIC SPACE IN THE BASEMENT". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

800 EUR

Sans titre (Garges Les Gonesse), TREBOR - TREBOR - Senza titolo (Garges Les Gonesse), 2022, pennarello su cartello metallico dell'autobus, 33 x 43 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

900 EUR

Sans titre (Hydrocarbures), DER - DER - Senza titolo (Idrocarburi), 2012, tecnica mista su pannello di metallo, 26 x 91 cm. Arredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito cinquanta street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz ha il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.000 EUR

Sans titre (Jardin), KONGO - KONGO - Senza titolo (Giardino), 2012, acrilico e pennarello su cartello da giardino in metallo,Arredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.000 EUR

Sans titre (Panneau Interdiction), DER - DER - Senza titolo (cartello di divieto), 2012, acrilico su cartello di metallo, 47 x 47 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.000 EUR

Sans titre (Repères), POES - POES - Senza titolo (Punti di riferimento), 2013, acrilico su cartello metallico, 52 x 52 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.000 EUR

Sans titre (Utiliser l'interphone), MEUSHAY - MEUSHAY - Senza titolo (Usa il citofono), 2022, acrilico e inchiostro spray su cartello sotterraneo in metallo, 45 x 22,5 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

900 EUR

Superhello,SONI IRAWAN - SONI IRAWAN - Superhello, 2013, inchiostro a spruzzo e acrilico su cartello indonesiano, 60 x 50 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

500 EUR

Surrender, SONI IRAWAN - SONI IRAWAN - Surrender, 2013, inchiostro a spruzzo e acrilico su cartello indonesiano, 60 x 50 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

500 EUR

Sans titre (Goldorak) - PIMAX - Senza titolo (Goldorak), 2013, acrilico su pannello su cartello metallico, 67 x 67 cm. Arredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso il seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.200 EUR

Sans titre (Vélo), GILBERT - GILBERT - Senza titolo (Bicicletta), 2012, inchiostro a spruzzo e pennarello su cartelli del 1950, 80 x 80 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso il seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi del trasporto pubblico e dell'arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.200 EUR

Sans titre (Chantier), INKIE - INKIE - Senza titolo (Chantier), 2015, acrilico e inchiostro spray su cartello metallico inglese, 85 x 75 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.100 EUR

Téléphone, POES - POES - Telefono, 2014, pennarello e pennarello su telefono pubblico francese, 46 x 31 x 17 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.400 EUR

D'Interdiction, DER - DER - D'Interdiction, 2013, inchiostro a spruzzo e stencil su segnaletica metallica, 67 x 67 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.200 EUR

Sans titre (Piétons...), RESO - RESO - Senza titolo (Pedoni...), 2015, acrilico su tavola da lavoro in metallo, 107 x 83 x 50 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso il seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquistati di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, nonché le sedute circolari "A Kiko" - inizialmente concepite, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentate così come sono state inaugurate. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi del trasporto pubblico e dell'arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.500 EUR

Sans titre (Tête de vache Alibert), COLORZ - COLORZ - Senza titolo (Tête de vache Alibert), 2012, inchiostro spray e pennarello su testa di mucca RATP, 46 x 52 x 41 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.500 EUR

Sans titre (Tête de vache RATP), OENO - OENO - Senza titolo (Tête de vache RATP), 2012, inchiostro spray e pennarello su testa di mucca RATP, 46 x 52 x 41 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.500 EUR

Sans titre (Tête de vache RATP), DIZE - DIZE - Senza titolo (Tête de vache RATP), 2013, tecnica mista su testa di mucca RATP, 46 x 52 x 41 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.500 EUR

La boîte à lettres 1970, JUAN - JUAN - La boîte à lettres 1970, 2012, aerosol, pennarello e stencil su cassetta postale, 59 x 45 x 24 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.600 EUR

Sans titre (Boîte aux lettres), DIZE - DIZE - Senza titolo (cassetta postale), 2022, inchiostro spray e pennarello su cassetta postale, 50 x 24 x 24 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.800 EUR

82 58, TILT - TILT - 82 58, 2013, inchiostro a spruzzo e pennarello su lavabo SNCF, 25 x 47 x 38 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.900 EUR

Sans Titre (Boîte postale), LAZOO - LAZOO - Untitled (Post Box), 2013, inchiostro a spruzzo e stencil su cassetta postale, 55 x 56 x 44 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

1.900 EUR

Stop, SCOPE - SCOPE - Stop, 2013, acrilico e banconote su segnaletica di Singapore, 60 x 60 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.000 EUR

Sans titre (Lampe Waldmann), POES - POES - Senza titolo (lampada Waldmann), 2013, inchiostro a spruzzo su lampada Waldmann proveniente dalla prigione Santé, 131 x 36 x 25 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.000 EUR

Sans titre (Lampe Waldmann), GILBERT - GILBERT - Senza titolo (lampada Waldmann), 2013, inchiostro a spruzzo su lampada Waldmann proveniente dalla prigione Santé, 131 x 36 x 25 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.000 EUR

Sans titre (Lampe Waldmann), ANTOINE GAMARD - Antoine GAMARD - Senza titolo (lampada Waldmann), 2013, inchiostro a spruzzo su lampada Waldmann proveniente dalla prigione Santé, 131 x 36 x 25 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.000 EUR

Lost in Transition #2, Andrey BERGER - Andrey BERGER - Lost in Transition #2, 2018, acrilico e smalto su cartello stradale russo riflettente, 35 x 79 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, realizzate rispettivamente da COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.Andrey BERGER è un artista russo che lavora all'intersezione tra arte, scienza e nuove tecnologie. Esplora la vita urbana e il rapporto mutevole tra l'uomo e la città. Espone dagli anni 2000 in Russia, Europa e Stati Uniti e ha lavorato in collaborazione con grandi marchi come BMW, Puma, Absolut, Xiaomi. Nel 2021, Andrey Berger ha ricevuto il premio per l'innovazione nell'arte contemporanea in Russia, nominato "Progetto dell'anno".

2.000 EUR

Future, Misha MOST - Misha MOST - Futuro, 2022, tecnica mista su pannello di metallo, 35 x 80 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.Misha MOST è un partecipante attivo a mostre prestigiose, le cui opere si trovano nelle collezioni nazionali di arte contemporanea e nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov di Mosca. Ha iniziato a dipingere negli anni '90, agli albori della street art russa, e ha fatto parte dei primi collettivi di graffiti di Mosca. Le opere di Misha esplorano la percezione del futuro, l'impatto della scienza e della tecnologia sulla società. Espone e lavora in Europa orientale, in molti Paesi europei e negli Stati Uniti.

2.100 EUR

Transition, PETRO - PETRO - Transition, 2022, tecnica mista su segnaletica luminosa della linea 5 della metropolitana di Mosca, 150 x 66 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio del seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "PUBLIC SPACE IN THE BASEMENT". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.PETRO (Petr Gerasimenko) è un artista russo multidisciplinare. Dipinge sui muri da oltre quindici anni ed è uno dei più rispettati artisti russi di post-graffiti. Il suo lavoro è caratterizzato da composizioni astratte di colori e forme geometriche, ispirate all'avanguardia sovietica. Partecipa a vari festival e mostre in Russia, ricevendo l'attenzione della stampa europea e americana, che sottolinea l'originalità del suo stile e le prospettive di richiesta del suo lavoro a livello internazionale.

2.600 EUR

Sans titre (Siège A Kiko), NEBAY - NEBAY - Senza titolo (Sedile A Kiko), 2022, tecnica mista su sedile circolare A Kiko della metropolitana di Parigi, 68 x 68 x 22 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.600 EUR

Sans titre (Siège A Kiko), DIZE - DIZE - Senza titolo (Sedile A Kiko), 2022, tecnica mista su sedile circolare A Kiko della metropolitana di Parigi, 68 x 68 x 22 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.600 EUR

Sans titre (Colonel Fabien), RESO - RESO - Senza titolo (Colonnello Fabien), 2015, inchiostro aerosol e acrilico su lastra smaltata della metropolitana di Parigi, 35 x 120 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

2.800 EUR

One Way Haze, HAZE - HAZE - One Way Haze, 2015, acrilico su pannello metallico del Dipartimento dei Trasporti degli Stati Uniti, 46 x 122 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio del seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "PUBLIC SPACE IN THE BASEMENT". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.000 EUR

Sans titre (Gare de l’Est), SENTE - SENTE - Senza titolo (Gare de l'Est), 2022, inchiostro a spruzzo e pennarello su targa smaltata della metropolitana di Parigi, 37 x 210 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.000 EUR

La paix n’a pas de couleurs, NEBAY - NEBAY - Lapace non ha colori, 2014, acrilico e inchiostro spray su portellone posteriore da 4L, 100 x 95 x 10 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.200 EUR

Waiting for my Man, STeW - STeW - Waiting for my Man, 2014, acrilico, inchiostro spray, stencil e collage su portellone posteriore 4L, 100 x 95 x 10 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.200 EUR

Armistice, NEBAY - NEBAY - Armistizio, 2014, acrilico e inchiostro spray su un portellone posteriore da 4L, 100 x 95 x 10 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.200 EUR

Le Public, RIME - RIME - Il pubblico, 2014, acrilico e pennarello su cabina telefonica americana, 116 x 41 x 36 cm.Un concentrato di energie, lo stile di Rime è fatto di colori, movimenti e fonti di luce, a cui l'artista aggiunge un proprio vocabolario composto da creature del mondo dei cartoni animati, simboli e molteplici dettagli. Ispirato in gran parte al mondo dei cartoni animati, lo stile di Rime (alias Jersey Joe) combina un uso energico del colore con una moltitudine di dettagli e forme sempre in movimento. Nelle sue composizioni sfrenate, mette in atto una violenza controllata nella padronanza del gesto e nelle variazioni che applica allo spessore della linea o della pennellata. Aggiunge un vocabolario personale di simboli animali e personaggi della sua immaginazione, che colloca sulla tela come geroglifici o scritte stilizzate.Le sue opere bidimensionali sembrano emergere dalla parete, sia attraverso il movimento delle linee e delle forme che le strutturano, sia attraverso le fonti di luce che crea nelle sue composizioni. Traboccante di dettagli, personaggi e simboli, ogni tela permette all'occhio di individuare regolarmente frammenti di storie insospettabili. Come una canzone familiare il cui significato appare all'improvviso, le opere di Rime vengono viste e addomesticate nel tempo."Dietro ogni linea, ogni segno, c'è una forma di energia nella mia pittura che rimane percepibile, anche in modo inconscio. Questo è ciò che mi sforzo di creare. Mi ci sono dedicato a lungo, qui a Parigi, durante tutta questa reclusione: cercando di trovare un senso di benessere, superando i problemi e i fardelli del passato, imparando ad essere un po' più rispettoso nei confronti della vita... Quando riesco a farlo, questo si traduce nel mio lavoro".Nato nel 1979 a Brooklyn, NYC, Rime (alias Jersey Joe) ha iniziato a fare graffiti nel 1991 a Staten Island, NYC, e successivamente nel quartiere di Soho a Manhattan e nel New Jersey. Nel 2003 ha viaggiato per due mesi in Europa e si è fatto conoscere a livello internazionale con gli pseudonimi di Rime e Jersey Joe. Al suo ritorno, inizia a esporre le sue opere nelle gallerie. Nel 2005 ha lasciato la East Coast per stabilirsi a Los Angeles. Si è poi unito alla crew MSK - Mad Society Kings - composta da artisti come Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav, o il collettivo di artisti The Seventh Letter. Dal 2021 vive e lavora a Vernon, nella regione francese dell'Eure. Nel luglio 2019 Rime ha preso una residenza di sei mesi presso la Wallworks Gallery di Parigi per preparare una mostra a Parigi. La residenza è stata prorogata da Covid fino a gennaio 2021."RIME ha una facilità e una conoscenza dell'intero vocabolario degli stili di lettering della graffiti art che è quasi senza precedenti. Può dipingere pezzi in quasi tutti gli stili dei 50 anni di storia dei graffiti: sembrano sempre nuovi, non si riferiscono a nulla di conosciuto e sono sempre suoi. Giocosa e di carattere, l'opera di RIME è piena di colore e di movimento e - dal semplice al complesso, dal morbido all'estremo - è uno dei pochi che sa fare davvero tutto nei graffiti. (...)I nuovi lavori di RIME in studio sono un concentrato di dinamismo che mette in mostra le pennellate e i loop che ha avuto cura di perfezionare nei graffiti di strada. Combinano la pratica della pittura spray con un'incredibile memoria muscolare e padronanza del gesto. I suoi personaggi da cartone animato - il suo marchio di fabbrica - spuntano dalle sue pennellate, spesso ridotte a occhi o naso. Come ogni graffitaro, i colori delle sue opere all'aperto sono composti da tutto ciò che si trova nella borsa portata quel giorno sul campo, e questo dà vita a opere spontanee spesso composte da decine di colori. In studio, la scelta è più limitata e le sue tele presentano pochi colori ben scelti che rispondono brillantemente l'uno all'altro" - Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

3.200 EUR

Wind of Change Allied Zone, CREN - CREN - Wind of Change Allied Zone, 2014, acrilico e pennarello su cofano Trabant, 95 x 126 x 14 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.200 EUR

Wonder Woman #2, FENX - FENX - Wonder Woman #2, 2012, inchiostro e pennarello su lastra smaltata, 97 x 97 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

3.500 EUR

Le Yo, RIME - RIME - Le Yo, 2014, acrilico e pennarello su cassetta postale americana del 1966, 127 × 51 × 54 cm.Un concentrato di energia, lo stile di Rime è fatto di colori, movimenti e fonti di luce, a cui l'artista aggiunge un proprio vocabolario composto da creature del mondo dei cartoni animati, simboli e molteplici dettagli. Ispirato in gran parte al mondo dei cartoni animati, lo stile di Rime (alias Jersey Joe) combina un uso energico del colore con una moltitudine di dettagli e forme sempre in movimento. Nelle sue composizioni sfrenate, mette in atto una violenza controllata nella padronanza del gesto e nelle variazioni che applica allo spessore della linea o della pennellata. Aggiunge un vocabolario personale di simboli animali e personaggi della sua immaginazione, che colloca sulla tela come geroglifici o scritte stilizzate.Le sue opere bidimensionali sembrano emergere dalla parete, sia attraverso il movimento delle linee e delle forme che le strutturano, sia attraverso le fonti di luce che crea nelle sue composizioni. Traboccante di dettagli, personaggi e simboli, ogni tela permette all'occhio di individuare regolarmente frammenti di storie insospettabili. Come una canzone familiare il cui significato appare all'improvviso, le opere di Rime vengono viste e addomesticate nel tempo."Dietro ogni linea, ogni segno, c'è una forma di energia nella mia pittura che rimane percepibile, anche in modo inconscio. Questo è ciò che mi sforzo di creare. Mi ci sono dedicato a lungo, qui a Parigi, durante tutta questa reclusione: cercando di ritrovare un senso di benessere, superando i problemi e i fardelli del passato, imparando ad essere un po' più rispettoso nei confronti della vita... Quando riesco a farlo, questo si traduce nel mio lavoro".Nato nel 1979 a Brooklyn, NYC, Rime (alias Jersey Joe) ha iniziato a fare graffiti nel 1991 a Staten Island, NYC, e successivamente nel quartiere di Soho a Manhattan e nel New Jersey. Nel 2003 ha viaggiato per due mesi in Europa e si è fatto conoscere a livello internazionale con gli pseudonimi di Rime e Jersey Joe. Al suo ritorno, inizia a esporre le sue opere nelle gallerie. Nel 2005 ha lasciato la East Coast per stabilirsi a Los Angeles. Si è poi unito alla crew MSK - Mad Society Kings - composta da artisti come Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav, o il collettivo di artisti The Seventh Letter. Dal 2021 vive e lavora a Vernon, nella regione francese dell'Eure. Nel luglio 2019 Rime ha preso una residenza di sei mesi presso la Wallworks Gallery di Parigi per preparare una mostra a Parigi. La residenza è stata prorogata da Covid fino a gennaio 2021."RIME ha una facilità e una conoscenza dell'intero vocabolario degli stili di lettering della graffiti art che è quasi senza precedenti. Può dipingere pezzi in quasi tutti gli stili dei 50 anni di storia dei graffiti: sembrano sempre nuovi, non si riferiscono a nulla di conosciuto e sono sempre suoi. Giocosa e di carattere, l'opera di RIME è piena di colore e di movimento e - dal semplice al complesso, dal morbido all'estremo - è uno dei pochi che sa fare davvero tutto nei graffiti. (...)I nuovi lavori di RIME in studio sono un concentrato di dinamismo che mette in mostra le pennellate e i loop che ha avuto cura di perfezionare nei graffiti di strada. Combinano la pratica della pittura spray con un'incredibile memoria muscolare e padronanza del gesto. I suoi personaggi da cartone animato - il suo marchio di fabbrica - spuntano dalle sue pennellate, spesso ridotte a occhi o naso. Come ogni graffitaro, i colori delle sue opere all'aperto sono composti da tutto ciò che si trova nella borsa portata quel giorno sul campo, e questo dà vita a opere spontanee spesso composte da decine di colori. In studio, la scelta è più limitata e le sue tele hanno pochi colori ben scelti che rispondono brillantemente l'uno all'altro" - Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

4.000 EUR

Sans titre (Lampe Manta Requin), COLORZ - COLORZ - Untitled (Manta Lamp Shark), 2012, inchiostro spray, pennarello e acrilico su lampada Manta, 137 x 54 x 28 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi del trasporto pubblico e dell'arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

4.000 EUR

Sans titre (Siège en bois), KONGO - KONGO - Senza titolo (Sedile di legno), 2012, pennarello su sedile di legno della metropolitana di Parigi, 200 x 47 x 42 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

4.000 EUR

Can you see me?, JANA & JS - JANA & JS - Can you see me? 2022, vernice spray e stencil su porta di armadietto vintage smaltata, 168 x 77 cm.Gli street artist austriaci e francesi Jana & Js dipingono insieme dal 2006. Il duo crea stencil murali policromi di varie dimensioni. Basati principalmente sul loro lavoro fotografico personale, gli stencil sembrano rispondere e interagire con l'ambiente circostante. Ispirati principalmente dalla città e dai suoi abitanti, i loro dipinti fondono paesaggi urbani e dettagli architettonici con ritratti, interrogandosi sul posto dell'essere umano nelle città moderne. Ispirati dal luogo in cui ambientano le loro opere, si concentrano ora sulla nostalgia, sulla malinconia. Dopo aver trascorso un periodo a Madrid, in Spagna, dove si sono conosciuti, e dopo aver vissuto a Parigi per alcuni anni, Jana & Js risiedono ora a Laufen (Germania), una piccola città bavarese vicino al confine austriaco.Per esporre le loro opere, scelgono materiali antichi che testimoniano il passaggio del tempo fisico e della storia. Hanno creato la loro arte in spazi inaspettati stampando stencil su infrastrutture pubbliche o prodotti/spazi semilavorati/smantellati come binari ferroviari, vecchi edifici, pali, pezzi di cemento, vecchi camion, cataste di legno... Sono profondamente ispirati da ogni luogo che visitano, decifrando il significato sociale di aspetti inaspettati dei paesaggi urbani. Ma ciò che colpisce di più nel loro lavoro non sono i panorami in sé, ma le persone con il loro malessere esistenziale. Hanno un modo unico di collegare le persone, le loro emozioni, i loro desideri e le loro preoccupazioni all'ambiente. I loro interventi urbani fondono i soggetti con l'ambiente, provocando riflessioni e coinvolgendo gli spettatori in un dialogo artistico.

5.200 EUR

I will be on you side, JANA & JS - JANA & JS - I will be on you side, 2022, Vernice spray e stencil su porta di armadietto vintage smaltata, 168 x 77 cm.Gli street artist austriaci e francesi Jana & Js dipingono insieme dal 2006. Il duo crea stencil murali policromi di varie dimensioni. Basati principalmente sul loro lavoro fotografico personale, gli stencil sembrano rispondere e interagire con l'ambiente circostante. Ispirati principalmente dalla città e dai suoi abitanti, i loro dipinti fondono paesaggi urbani e dettagli architettonici con ritratti, interrogandosi sul posto dell'essere umano nelle città moderne. Ispirati dal luogo in cui ambientano le loro opere, si concentrano ora sulla nostalgia, sulla malinconia. Dopo aver trascorso un periodo a Madrid, in Spagna, dove si sono conosciuti, e dopo aver vissuto a Parigi per alcuni anni, Jana & Js risiedono ora a Laufen (Germania), una piccola città bavarese vicino al confine austriaco.Per esporre le loro opere, scelgono materiali antichi che testimoniano il passaggio del tempo fisico e della storia. Hanno creato la loro arte in spazi inaspettati stampando stencil su infrastrutture pubbliche o prodotti/spazi semilavorati/smantellati come binari ferroviari, vecchi edifici, pali, pezzi di cemento, vecchi camion, cataste di legno... Sono profondamente ispirati da ogni luogo che visitano, decifrando il significato sociale di aspetti inaspettati dei paesaggi urbani. Ma ciò che colpisce di più nel loro lavoro non sono i panorami in sé, ma le persone con il loro malessere esistenziale. Hanno un modo unico di collegare le persone, le loro emozioni, i loro desideri e le loro preoccupazioni all'ambiente. I loro interventi urbani fondono i soggetti con l'ambiente, provocando riflessioni e coinvolgendo gli spettatori in un dialogo artistico.

5.200 EUR

Fermé le dimanche, KATRE - KATRE - Closed on Sunday, 2015, serigrafia, acrilico e inchiostro spray su tenda metallica, 150 x 100 x 25 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala rivestita di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.KATRENato a Parigi nel 1977, Katre (alias Antonin Giverne) vive e lavora nel 14° arrondissement di Parigi. All'inizio degli anni Novanta, ha iniziato a fare tagging nelle strade e nella metropolitana con la crew STS (Sur Toutes Surfaces). Dopo essersi laureato in arti plastiche all'Università di Parigi 1 Panthéon-Sorbonne, nel 2003 ha dedicato il suo master alla piscina Molitor di Parigi. Contemporaneamente, continua a praticare i graffiti all'aperto, realizzando affreschi in terreni incolti e spazi abbandonati e in festival internazionali, mentre allestisce uno studio di registrazione con la crew STS nei locali della loro associazione a Montreuil.La sua passione lo ha portato a viaggiare per le strade alla ricerca di terreni industriali abbandonati, continuando a dipingere i muri parigini. Nel 2005 ha proseguito la sua ricerca firmando il libro "Hors du temps" (edito da Colors Zoo), che per la prima volta ha riunito una cinquantina di artisti urbani che lavorano in siti dismessi (seguito nel 2012 da "Hors du temps 2" edito da Pyramyd). Questo riconoscimento nel mondo dei graffiti gli ha dato l'opportunità di partecipare a diverse mostre collettive e individuali, dove ha esposto composizioni pittoriche esplosive che sembravano incendiare le sue fotografie di luoghi abbandonati che aveva precedentemente stampato su tela. La sua pratica in studio combina quindi perfettamente le sue due passioni: l'esplorazione di luoghi abbandonati e i graffiti.Oltre alla sua attività artistica e ai libri che pubblica, Katre è anche cofondatore dell'associazione Faute O Graff di Tolosa, che ogni anno organizza eventi come Mister Freeze, una mostra di artisti urbani che investono un nuovo sito abbandonato o in via di recupero.

7.000 EUR

Name Plate (Strasbourg Saint-Denis), PSYCKOZE - PSYCKOZE - Targhetta (Strasbourg Saint-Denis), 2022, tecnica mista su lastra smaltata della metropolitana di Parigi, 75 x 200 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

8.000 EUR

Trocadéro, COLORZ - COLORZ - Trocadero, 2015, inchiostro aerosol su lastra smaltata della metropolitana di Parigi, 50 x 230 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

8.000 EUR

Fuck, RISK - RISK - Fuck, 2018, tecnica mista e neon su targhe statunitensi, 120 x 97 cmArredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande disordine colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

10.000 EUR

Sans titre (Feux de circulation), HOPARE - HOPARE - Senza titolo (Semafori), 2013, inchiostro spray e pennarello su 10 semafori, 46 x 18 x 35 cm (ciascuno)Arredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio interrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente alla vendita RATP, gli artisti si appropriano di tutti i tipi di elementi urbani e di trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavabi SNCF, sedili RATP e altre parti di automobili... Sette dei pezzi presentati all'inaugurazione - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande bazar colorato e graffitato.Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione.Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale in performance artistiche che si terranno durante tutta la mostra.Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni di Trocadéro e Strasburgo Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

12.000 EUR

As Love In, RIME - RIME - As Love In, 2021, acrilico, pennarello a olio su legno, 120x120x5 cm. Un concentrato di energia, lo stile di Rime è fatto di colori, movimenti e fonti di luce, a cui l'artista aggiunge un proprio vocabolario composto da creature del mondo dei cartoni animati, simboli e molteplici dettagli. Ispirato in gran parte al mondo dei cartoni animati, lo stile di Rime (alias Jersey Joe) combina un uso energico del colore con una moltitudine di dettagli e forme sempre in movimento. Nelle sue composizioni sfrenate, mette in atto una violenza controllata nella padronanza del gesto e nelle variazioni che applica allo spessore della linea o della pennellata. Aggiunge un vocabolario personale di simboli animali e personaggi della sua immaginazione, che colloca sulla tela come geroglifici o scritte stilizzate.Le sue opere bidimensionali sembrano emergere dalla parete, sia attraverso il movimento delle linee e delle forme che le strutturano, sia attraverso le fonti di luce che crea nelle sue composizioni. Traboccante di dettagli, personaggi e simboli, ogni tela permette all'occhio di individuare regolarmente frammenti di storie insospettabili. Come una canzone familiare il cui significato appare all'improvviso, le opere di Rime vengono viste e addomesticate nel tempo."Dietro ogni linea, ogni segno, c'è una forma di energia nella mia pittura che rimane percepibile, anche in modo inconscio. Questo è ciò che mi sforzo di creare. Mi ci sono dedicato a lungo, qui a Parigi, durante tutta questa reclusione: cercando di ritrovare un senso di benessere, superando i problemi e i fardelli del passato, imparando ad essere un po' più rispettoso nei confronti della vita... Quando riesco a farlo, questo si traduce nel mio lavoro".Nato nel 1979 a Brooklyn, NYC, Rime (alias Jersey Joe) ha iniziato a fare graffiti nel 1991 a Staten Island, NYC, e successivamente nel quartiere di Soho a Manhattan e nel New Jersey. Nel 2003 ha viaggiato per due mesi in Europa e si è fatto conoscere a livello internazionale con gli pseudonimi di Rime e Jersey Joe. Al suo ritorno, inizia a esporre le sue opere nelle gallerie. Nel 2005 ha lasciato la East Coast per stabilirsi a Los Angeles. Si è poi unito alla crew MSK - Mad Society Kings - composta da artisti come Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav, o il collettivo di artisti The Seventh Letter. Dal 2021 vive e lavora a Vernon, nella regione francese dell'Eure. Nel luglio 2019 Rime ha preso una residenza di sei mesi presso la Wallworks Gallery di Parigi per preparare una mostra a Parigi. La residenza è stata prorogata da Covid fino a gennaio 2021."RIME ha una facilità e una conoscenza dell'intero vocabolario degli stili di lettering della graffiti art che è quasi senza precedenti. Può dipingere pezzi in quasi tutti gli stili dei 50 anni di storia dei graffiti: sembrano sempre nuovi, non si riferiscono a nulla di conosciuto e sono sempre suoi. Giocosa e di carattere, l'opera di RIME è piena di colore e di movimento e - dal semplice al complesso, dal morbido all'estremo - è uno dei pochi che sa fare davvero tutto nei graffiti. (...)I nuovi lavori di RIME in studio sono un concentrato di dinamismo che mette in mostra le pennellate e i loop che ha avuto cura di perfezionare nei graffiti di strada. Combinano la pratica della pittura spray con un'incredibile memoria muscolare e padronanza del gesto. I suoi personaggi da cartone animato - il suo marchio di fabbrica - spuntano dalle sue pennellate, spesso ridotte a occhi o naso. Come ogni graffitaro, i colori delle sue opere all'aperto sono composti da tutto ciò che si trova nella borsa portata quel giorno sul campo, e questo dà vita a opere spontanee spesso composte da decine di colori. In studio, la scelta è più limitata e le sue tele hanno pochi colori ben scelti che rispondono brillantemente l'uno all'altro" - Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

4.000 EUR

All Moves, RIME - RIME - All Moves, 2019, acrilico, pennarello a olio su tela, 102 × 102 × 5 cm.Un concentrato di energia, lo stile di Rime è fatto di colori, movimenti e fonti di luce, a cui l'artista aggiunge il proprio vocabolario di creature, simboli e dettagli cartooneschi. Ispirato in gran parte al mondo dei cartoni animati, lo stile di Rime (alias Jersey Joe) combina un uso energico del colore con una moltitudine di dettagli e forme sempre in movimento. Nelle sue composizioni sfrenate, mette in atto una violenza controllata nella padronanza del gesto e nelle variazioni che applica allo spessore della linea o della pennellata. Aggiunge un vocabolario personale di simboli animali e personaggi della sua immaginazione, che colloca sulla tela come geroglifici o scritte stilizzate.Le sue opere bidimensionali sembrano emergere dalla parete, sia attraverso il movimento delle linee e delle forme che le strutturano, sia attraverso le fonti di luce che crea nelle sue composizioni. Traboccante di dettagli, personaggi e simboli, ogni tela permette all'occhio di individuare regolarmente frammenti di storie insospettabili. Come una canzone familiare il cui significato appare all'improvviso, le opere di Rime vengono viste e addomesticate nel tempo."Dietro ogni linea, ogni segno, c'è una forma di energia nella mia pittura che rimane percepibile, anche in modo inconscio. Questo è ciò che mi sforzo di creare. Mi ci sono dedicato a lungo, qui a Parigi, durante tutta questa reclusione: cercando di ritrovare un senso di benessere, superando i problemi e i fardelli del passato, imparando ad essere un po' più rispettoso nei confronti della vita... Quando riesco a farlo, questo si traduce nel mio lavoro".Nato nel 1979 a Brooklyn, NYC, Rime (alias Jersey Joe) ha iniziato a fare graffiti nel 1991 a Staten Island, NYC, e successivamente nel quartiere di Soho a Manhattan e nel New Jersey. Nel 2003 ha viaggiato per due mesi in Europa e si è fatto conoscere a livello internazionale con gli pseudonimi di Rime e Jersey Joe. Al suo ritorno, inizia a esporre le sue opere nelle gallerie. Nel 2005 ha lasciato la East Coast per stabilirsi a Los Angeles. Si è poi unito alla crew MSK - Mad Society Kings - composta da artisti come Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav, o il collettivo di artisti The Seventh Letter. Dal 2021 vive e lavora a Vernon, nella regione francese dell'Eure. Nel luglio 2019 Rime ha preso una residenza di sei mesi presso la Wallworks Gallery di Parigi per preparare una mostra a Parigi. La residenza è stata prorogata da Covid fino a gennaio 2021."RIME ha una facilità e una conoscenza dell'intero vocabolario degli stili di lettering della graffiti art che è quasi senza precedenti. Può dipingere pezzi in quasi tutti gli stili dei 50 anni di storia dei graffiti: sembrano sempre nuovi, non si riferiscono a nulla di conosciuto e sono sempre suoi. Giocosa e di carattere, l'opera di RIME è piena di colore e di movimento e - dal semplice al complesso, dal morbido all'estremo - è uno dei pochi che sa fare davvero tutto nei graffiti. (...)I nuovi lavori di RIME in studio sono un concentrato di dinamismo che mette in mostra le pennellate e i loop che ha avuto cura di perfezionare nei graffiti di strada. Combinano la pratica della pittura spray con un'incredibile memoria muscolare e padronanza del gesto. I suoi personaggi da cartone animato - il suo marchio di fabbrica - spuntano dalle sue pennellate, spesso ridotte a occhi o naso. Come ogni graffitaro, i colori delle sue opere all'aperto sono composti da tutto ciò che si trova nella borsa portata quel giorno sul campo, e questo dà vita a opere spontanee spesso composte da decine di colori. In studio, la scelta è più limitata e le sue tele hanno pochi colori ben scelti che rispondono brillantemente l'uno all'altro" - Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

9.000 EUR

Code, RIME - RIME - Codice, 2018, acrilico, pennarello a olio su tela, 182 × 151 × 5 cm.Un concentrato di energia, lo stile di Rime è fatto di colori, movimenti e fonti di luce, a cui l'artista aggiunge un proprio vocabolario composto da creature del mondo dei cartoni animati, simboli e molteplici dettagli. Ispirato in gran parte al mondo dei cartoni animati, lo stile di Rime (alias Jersey Joe) combina un uso energico del colore con una moltitudine di dettagli e forme sempre in movimento. Nelle sue composizioni sfrenate, mette in atto una violenza controllata nella padronanza del gesto e nelle variazioni che applica allo spessore della linea o della pennellata. Aggiunge un vocabolario personale di simboli animali e personaggi della sua immaginazione, che colloca sulla tela come geroglifici o scritte stilizzate.Le sue opere bidimensionali sembrano emergere dalla parete, sia attraverso il movimento delle linee e delle forme che le strutturano, sia attraverso le fonti di luce che crea nelle sue composizioni. Traboccante di dettagli, personaggi e simboli, ogni tela permette all'occhio di individuare regolarmente frammenti di storie insospettabili. Come una canzone familiare il cui significato appare all'improvviso, le opere di Rime vengono viste e addomesticate nel tempo."Dietro ogni linea, ogni segno, c'è una forma di energia nella mia pittura che rimane percepibile, anche in modo inconscio. Questo è ciò che mi sforzo di creare. Mi ci sono dedicato a lungo, qui a Parigi, durante tutta questa reclusione: cercando di ritrovare un senso di benessere, superando i problemi e i fardelli del passato, imparando ad essere un po' più rispettoso nei confronti della vita... Quando riesco a farlo, questo si traduce nel mio lavoro".Nato nel 1979 a Brooklyn, NYC, Rime (alias Jersey Joe) ha iniziato a fare graffiti nel 1991 a Staten Island, NYC, e successivamente nel quartiere di Soho a Manhattan e nel New Jersey. Nel 2003 ha viaggiato per due mesi in Europa e si è fatto conoscere a livello internazionale con gli pseudonimi di Rime e Jersey Joe. Al suo ritorno, inizia a esporre le sue opere nelle gallerie. Nel 2005 ha lasciato la East Coast per stabilirsi a Los Angeles. Si è poi unito alla crew MSK - Mad Society Kings - composta da artisti come Reyes, Revok, Saber, Pose, Trav, o il collettivo di artisti The Seventh Letter. Dal 2021 vive e lavora a Vernon, nella regione francese dell'Eure. Nel luglio 2019 Rime ha preso una residenza di sei mesi presso la Wallworks Gallery di Parigi per preparare una mostra a Parigi. La residenza è stata prorogata da Covid fino a gennaio 2021."RIME ha una facilità e una conoscenza dell'intero vocabolario degli stili di lettering della graffiti art che è quasi senza precedenti. Può dipingere pezzi in quasi tutti gli stili dei 50 anni di storia dei graffiti: sembrano sempre nuovi, non si riferiscono a nulla di conosciuto e sono sempre suoi. Giocosa e di carattere, l'opera di RIME è piena di colore e di movimento e - dal semplice al complesso, dal morbido all'estremo - è uno dei pochi che sa fare davvero tutto nei graffiti. (...)I nuovi lavori di RIME in studio sono un concentrato di dinamismo che mette in mostra le pennellate e i loop che ha avuto cura di perfezionare nei graffiti di strada. Combinano la pratica della pittura spray con un'incredibile memoria muscolare e padronanza del gesto. I suoi personaggi da cartone animato - il suo marchio di fabbrica - spuntano dalle sue pennellate, spesso ridotte a occhi o naso. Come ogni graffitaro, i colori delle sue opere all'aperto sono composti da tutto ciò che si trova nella borsa portata quel giorno sul campo, e questo dà vita a opere spontanee spesso composte da decine di colori. In studio, la scelta è più limitata e le sue tele hanno pochi colori ben scelti che rispondono brillantemente l'uno all'altro" - Caleb Neelon, "Beyond the Streets, Vandalism as Contemporary Art", 2019

16.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.A partire dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo la scena con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.A partire dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo la scena con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.A partire dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo la scena con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New York e la National Gallery of Art di New York.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.A partire dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo la scena con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.000 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.200 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.200 EUR

Stamped for Life - CRUSH - Stamped for Life, 2012, acquerello su carta canson da 310 g/m², sfondo serigrafato, 76 x 57 cm.Pioniere della street art negli Stati Uniti, Crash ha esposto in tutto il mondo e si definisce soprattutto un artista di graffiti. Per la galleria Wallworks ha creato una serie specifica di 34 opere su carta realizzate con due metodi espressivi ancestrali: la serigrafia e l'acquerello. Ogni pezzo unico viene poi arricchito con acquerello, inchiostro di china, acrilico o collage. L'insieme è completato da opere su targhe automobilistiche americane e da dieci dipinti su tela, emblematici della sua produzione degli ultimi vent'anni.Liberamente ispirato ai fumetti americani e alla Pop Art, l'universo di Crash mescola molteplici riferimenti personali a quelli della street art (il lettering, le catene d'oro...), ai codici dei fumetti degli anni '60 e '70 (le onomatopee che rappresentano le scosse e le esplosioni...), o alla Pop Art (i punti colorati e, più esplicitamente, il cenno all'opera Whaam! dipinta da Roy Lichtenstein nel 1963). Il nome della serie - Stamped for Life - evoca per l'artista il fatto che nulla può essere cancellato, che si sente segnato per tutta la vita da ciò che lo ispira e da ciò che è: "I have been stamped for life".Nato nel 1961 a New York, John Matos ha assunto il nome di Crash a metà degli anni '70 e ha iniziato a dipingere graffiti sulle linee della metropolitana del Bronx all'età di 13 anni. Nel 1979 si unisce agli artisti Kel, Daze, Zephyr, Dondi e Futura nello Studio Graffiti, un progetto finanziato dal collezionista Sam Esses, che permette loro di passare alla tela. Tutti frequentavano il mitico Fashion Moda, creato nel 1978 da Stefan Eins, un locale di culto della scena newyorkese dove si incontravano Keith Haring, Jenny Holzer e molti graffitari. Nel 1980, Crash vi organizzò una mostra dal titolo premonitore "GAS: Graffiti Art Success". Il successo è tale che il New Museum of Contemporary Art di Manhattan ripropone la mostra lo stesso anno, con un titolo leggermente rivisto "Events, Fashion Moda". Le mostre presentate a Fashion Moda hanno poi attirato l'attenzione delle gallerie americane e poi europee, contribuendo all'ascesa del movimento dei graffiti.Dal 1983, e per quasi dieci anni, Crash è stato rappresentato dalla Sydney Janis Gallery di New York, condividendo le pareti della galleria con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Alla fine del 1984 è invitato a partecipare alla mostra "5/5 Figuration Libre, France/USA" al Musée d'art moderne de la Ville de Paris, insieme a Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas, Hervé e Richard Di Rosa, Louis Jammes, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Tseng Kwong Chi e Kenny Scharf. Le sue opere sono state esposte in tutti gli Stati Uniti, oltre che in Spagna, Francia e Paesi Bassi. Il suo stile riconoscibile combina il lettering dei graffiti con la ritrattistica ispirata ai fumetti, alla Pop Art e al processo Ben-Day di Roy Lichtenstein.Oltre alle sue mostre, Crash ha realizzato diversi progetti per grandi marchi, come per la Fondazione olandese Peter Stuyvesant nel 1988, o per l'azienda britannica American Tabacco e la collezione Lucky Strike nel 1995. Nel 1996 ha personalizzato per Eric Clapton una chitarra elettrica, il modello Fender Stratocaster, che il cantante ha utilizzato durante un tour nel 2001. Fender vendette cinquanta di queste chitarre, chiamate Crashocaster. Più recentemente, ha creato un video per Absolut Vodka. Nel 2011 è stato incaricato da TUMI di creare quattro modelli di valigie in una linea chiamata Tumi-Tag. Le opere di Crash sono state acquisite da un numero impressionante di collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, tra cui il Brooklyn Museum e il MoMA di New York, il NOMA di New Orleans, il Cornell Museum in Florida, la Rubell Collection di Miami, la Frederick R. Weisman Foundation di Los Angeles, la Dakis Joannou Foundation di Atene, il Mambo di Bologna, il Groninger Museum di Groningen, il Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e molti altri.

1.800 EUR

On Shape, NEBAY - NEBAY - On Shape, 2021, acrilico e inchiostro spray su doppia tela, 50 × 40 × 5 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

1.300 EUR

Dans le 1000, NEBAY - NEBAY - Dans le 1000, 2021, acrilico e pennarello a olio su legno, 53 × 60 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

1.500 EUR

Yellow Corner, NEBAY - NEBAY - Yellow Corner, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su doppia tela, 130 x 97 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienza e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

4.700 EUR

On Fonce, NEBAY - NEBAY - Su Fonce, 2020, acrilico e inchiostro aerosol su doppia tela, 130 x 97 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

4.700 EUR

Blue Magic, NEBAY - NEBAY - Blue Magic, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su doppia tela, 130 x 97 cmSenza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienza e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

4.700 EUR

La vie est belle, NEBAY - NEBAY - La vie est belle, 2019, acrilico e inchiostro aerosol su tela, 130 x 97 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

4.700 EUR

Paint’s Keys, NEBAY - NEBAY - Paint's Keys, 2019, acrilico e inchiostro spray su tela, 130 × 97 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

4.700 EUR

Bienvenue chez le fleuriste, NEBAY - NEBAY - Bienvenue chez le fleuriste, 2021, acrilico e inchiostro spray su tela, 97 x 195 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

5.800 EUR

Fire Circle, NEBAY - NEBAY - Fire Circle, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su tela rotonda, 120 x 120 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

6.000 EUR

River Circle, NEBAY - NEBAY - River Circle, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su tela rotonda, 120 x 120 cm.Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

6.000 EUR

Snow Circle, NEBAY - NEBAY - Cerchio di neve, 2021, acrilico e inchiostro aerosol su tela rotonda, 120 x 120 cmSenza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienza e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza.Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori".È stato all'inizio degli anni 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare oltre i propri sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione per cambiare vita e diventare un artista a tutti gli effetti.I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: sensazioni di pittura all'aperto, per strada, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in un vero e proprio pezzo di memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

6.000 EUR

AM68, BATES - Bates - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, COLORZ - COLORZ - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, POES - POES - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, KATRE - KATRE - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, NEBAY - NEBAY - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, KAN - KAN - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, Ender - Ender - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, Hendrik Czakainski - Hendrik Czakainski - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate ad artisti francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, HOBZ - HOBZ - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate ad artisti francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

AM68, Betty Mariani - Betty Mariani - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm42 artisti di arte urbana si esprimono sulle copertine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68.Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili...In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori.Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di opuscoli e documenti dell'epoca.

1.500 EUR