Quadri

Marcel CARON (1890-1961) Le fumeur de pipe au café, 1926 Huile sur toile marouflée sur panneau Signé et daté en bas au centre: "Marcel Caron 26" 65 x 55 cm Ce tableau cristallise les influences de l'expressionnisme de l'École de Laethem-Saint-Martin, et notamment celles du travail de Constant Permeke et Gustave de Smet que Marcel Caron fréquente depuis le début des années 1920. Il crée ainsi un pont entre la modernité flamande et liégeoise. On peut ici deviner sur le journal posé au premier plan: le titre "L'Escalier", du même nom du groupe fondé en 1926 parles trois peintres modernes majeurs de l'époque à Liège: Edgar Scauflaire, Auguste Mambour et Marcel Caron.

Louis VALTAT (1869-1952) - Il cigno sul lago al Bois de Boulogne, 1905-1908 ca. Olio su tela Monogrammato in basso a destra 47 cm x 55,5 cm. Provenienza Collezione privata, Francia Un certificato di Louis-André Valtat, nipote dell'artista, datato 7 marzo 1995, sarà consegnato all'acquirente.

Fernand KHNOPFF (1858-1921) Diffidence - La défiance, Lilie, 1893 Crayon et pastel sur platinogravure marouflée sur papier par l'artiste Dédicacé et signé au crayon en bas à gauche sur le montage: "au docteur H. Coppez en souvenir - Fernand Khnopff" Monogrammé au crayon bleu sur le montage au centre: "FK" 28,4 x 19,5 cm pour le feuillet 26 x 17 cm pour le sujet Provenance: Collection particulière, Belgique (transmis par descendance) Bibliographie: Robert L. Delevoy, Catherine de Croës, Gisèle Ollinger-Zinque, Fernand Khnopff Catalogue de l'oeuvre, Lebeer-Hossmann, Bruxelles, 1987, n°226, p.281 (reproduit) La platinogravure est un procédé de gravure photographique très souvent utilisé par Khnopff comme support de base et qu'il avait pour habitude de réhausser en utilisant différents mediums comme le crayon, le crayon de couleurs ou encore le pastel. Une platinogravure réhaussée similaire est conservée au Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Royale Albert Ier, à Bruxelles, (Inv.S.II 80174) et une autre au Musée d'Ixelles (Inv.RW19). Les rehauts et les couleurs utilisés sont différents à chaque fois, rendant chaque pièce singulière et unique. Cette épreuve fut réalisée d’après le dessin Diffidence (repris au catalogue raisonné Delevoy sous le n°221, p.279), exécuté en 1893 et conservé jusqu'en 1929 au sein de la Collection du Comte Théodule de Grammont-Croy à Paris. Ce portrait représente très probablement Marguerite Khnopff, la soeur de l'artiste et également son modèle de prédilection, dont le regard silencieux transperce celui qui la regarde et dont le visage semble flotter dans la composition à côté d'une fleur de lys blanche, symbole cher à Khnopff de virginité et de pureté.

Pierre SOULAGES(1919-2022) Lithographie n°19, 1968 Lithographie sur papier vélin Signé et numéroté au crayon 45/85 Mourlot, Paris, imprimeur Galerie de France, Paris, éditeur 55 x 70 cm Bibliographie : Pierre Encrevé,Marie-Cécile Miessner,Soulages l'œuvre imprimé, BnF / Musée Soulages, Paris, 2003 (Cat.65) (ill.68) p.197

Henry MORET (1856-1913) "Ouessant, pointe de Creach, 1901", Olio su tela firmato e datato in basso a destra, 60,5 x 81,5 cm. Provenienza : - Roman Norbert Ketterer (mercante d'arte e casa d'aste di Lugano) nel 1974 (accompagnato da una lettera e da una fattura doganale che evocano la provenienza). - Gruppo Thyssen Bornemisza - Collezione privata Un certificato di autenticità del signor Jean-Yves Rolland sarà consegnato all'acquirente. L'opera sarà inclusa nel catalogo ragionato dell'artista attualmente in preparazione. Presente nelle collezioni di numerosi musei europei e americani, Henry Moret è oggi considerato uno dei protagonisti della rivoluzione artistica che fiorì in Bretagna alla fine degli anni Ottanta del XIX secolo. La sua vicinanza a Paul Gauguin, Emile Bernard, Charles Filiger e Paul Sérusier lo rese un testimone privilegiato dell'effervescenza che accompagnò la nascita e l'affermazione del sintetismo. Dotato di un temperamento indipendente, Henry Moret supera rapidamente i dibattiti che agitano questo piccolo cenacolo tentato dalle sirene del Simbolismo per concentrarsi unicamente sulla necessità assoluta di tradurre la schietta bellezza dei paesaggi bretoni. Conoscitore della diversità delle rive armoricane, egli ha esplorato instancabilmente il litorale dalla penisola di Quiberon alla regione di Abers. Anche la sua vicinanza alle isole di Ponant (in particolare Belle-Ile, Groix e Ouessant) alimenta la sua ispirazione. Soprattutto, gli permette di assimilare e continuare il lavoro iniziato da Claude Monet a Belle-Ile nel 1886. All'inizio degli anni Novanta del XIX secolo, i suoi dipinti vengono esposti nei saloni legati all'avanguardia artistica (in particolare al Barc de Boutteville e al Salon des Indépendants) e gli valgono l'inizio di una meritata fama. Individuato rapidamente nel 1895 da Paul Durand-Ruel, il famoso gallerista degli impressionisti, beneficia dell'immancabile sostegno di quest'ultimo e inizia il periodo più fecondo della sua carriera. Infatti, è da questi anni fino all'inizio del XX secolo che la sua pittura acquisisce una forma di maturità di cui esistono pochi equivalenti all'epoca. Datata 1901, la nostra grande tela è senza dubbio uno dei puri capolavori dipinti dall'artista in questi anni fecondi. A riprova di ciò, basti ricordare che un tempo apparteneva a una delle collezioni più prestigiose d'Europa, quella del barone Thyssen-Bornemisza, noto per il suo gusto esigente. Inoltre, il suo soggetto e il suo stile ricordano un capolavoro delle collezioni del Musée de Pont-Aven del 1901/1902. Quest'ultimo raffigura un paesaggio di scogliere nell'Ouessant e sembra perfettamente plausibile collocare il nostro dipinto nello stesso ambiente geografico. Al di là del soggetto, che combina armoniosamente la permanenza delle rocce con il movimento dell'oceano e del cielo, sono le meravigliose qualità pittoriche di questa tela a incantare i nostri sensi. Come non sentire il dolce fruscio della brezza marina mentre orla il mare o riveste l'erba di una luce brillante? Come non rimanere inebriati dall'orizzonte infinito dove i vapori leggeri dell'oceano si fondono con quelli del cielo? Come non rimanere affascinati da questo bagno di colori vividi a cui il pittore ci invita, una vera e propria ode alla magia colorata di una luminosa giornata isolana? Ovunque, le pennellate frementi balzano fuori e scolpiscono il rilievo delle scogliere così come seguono la risacca delle correnti oceaniche: verdi tenui irrigati da sfumature di giallo per la vegetazione, ocra dorati o rosati per le rocce, una sottile miscela di blu profondi accentuati da riflessi verdi per il mare e, infine, il biancore abbagliante della schiuma! Ammirevole maestro dell'arte della suggestione, Henry Moret compose una delle sue più brillanti partiture cromatiche, elevando l'arte del paesaggio impressionista al suo apice. Con tutte queste qualità, questa grande opera appare per quello che è: una testimonianza insostituibile del formidabile pittore che Henry Moret è stato.

Olivier DEBRÉ (1920-1999) - Loire blanche (e pasta bianca e nera), 1973 Olio su tela Monogrammato e datato "73" in basso a destra Controfirmato, intitolato e datato sul retro 78 x 112 cm Provenienza Collezione privata, Francia Olivier Debré è un pittore francese, esponente di spicco dell'astrazione lirica. La sua opera è caratterizzata da tele ricoperte da ampie ed espressive tinte piatte di colore. Quando dipingeva i suoi paesaggi, lavorava all'aria aperta, talvolta a terra, per esprimere al meglio i segni e i gesti della natura. Se il nostro quadro vuole essere un'espressione delle sue sensazioni con gli elementi, è anche una rappresentazione di uno dei suoi luoghi emblematici di ispirazione: dopo aver viaggiato a lungo per il mondo, amava ricaricarsi sulle rive della Loira e dipingere le sue acque, che cambiano con le stagioni.

Jeanne SELMERSHEIM-DESGRANGES (1877-1958) - Colazione, luce blu Olio su tela Firmato in basso a destra 73 x 92,5 cm Provenienza Collezione privata, Francia Allieva e poi compagna di Paul Signac, fu una pittrice neoimpressionista francese che utilizzò la tecnica puntinista. I suoi soggetti preferiti erano nature morte e paesaggi. Le sue pennellate sono definite da tratti vivaci e da una luce intensa e accentuata. Si sforzava di creare composizioni armoniose, in particolare attraverso la scelta degli oli, con i loro colori rari e delicati.

Olivier DEBRE - Olivier DEBRE (1920-1999) - Tâches vives en Royan, 1981 - Olio su tela, firmato, titolato e datato (19)81 sul retro - 33 x 41 cm - Provenienza: acquistato direttamente dall'artista dall'attuale proprietario - Un certificato dell'artista datato 21 ottobre 1991 sarà consegnato all'acquirente.

Charles LEBRUN (Paris, 1619-1690), atelier de. - Ritratto di Luigi XIV (1638-1715) in armatura. Olio su tela, forma ovale (macchiato, vecchio telaio, restauri). H. 87 x L. 73 cm. In una cornice ovale in legno dorato. H. 107 x L. 93 cm. La storia Il re Luigi XIV (1638-1715) è raffigurato in un busto di tre quarti, con il volto rivolto a destra, e indossa il Gran Cordone dell'Ordine dello Spirito Santo su un'armatura decorata con gigli. Indossa una cravatta di pizzo con fiocchi di nastro rosso al collo; con una grande parrucca castano scuro dai folti riccioli che gli ricadono sulle spalle, il Re Sole sfoggia baffi sottili. Tiene in mano l'elmo ornato di piume nere e fissa maestosamente lo spettatore. La sciarpa bianca degli ufficiali generali è legata intorno alla sua vita. Luigi XIV posa davanti a un damasco pendente con fili d'oro, sollevato in un angolo per rivelare un cielo da campagna militare. La personalità del volto del re è resa da un gioco di luci e ombre che ne modella i tratti, mentre un tocco leggermente più pastoso è applicato all'armatura. Il re appare come un signore della guerra e un protettore del regno. Una riproduzione parziale del ritratto dipinto da Le Brun nel 1682 Il nostro dipinto è una riproduzione parziale del ritratto "Il re in armatura con elmo blasonato" dipinto da Le Brun nel 1682; questo ritratto, oggi scomparso, è noto agli storici attraverso la copia parziale di forma ovale del ritratto di Charles Le Brun, citata senza nome dell'autore e depositata dal 1936 nel Musée historique de Strasbourg, con la data di creazione 1682-1700 (ill. 1). Dipinto in forma di busto, il re indossa anche un'armatura impreziosita da gigli, su cui spicca il cordone blu dello Spirito Santo. Lo jabot di pizzo e la lunga parrucca controbilanciano la severità marziale di un re quarantenne. La stessa effigie del re si ritrova in un'incisione di Edelinck dopo Charles Le Brun, dove il ritratto del re è posto sullo scudo della Religione. Il frontespizio della tesi dell'Abbé de Polignac, "L'Eglise victorieuse de l'hérésie ou le triomphe de la religion", fu completato nel giugno 1686 da Le Brun (ill. 2). Il modello fu inciso da G. Edelinck ma non fu mai utilizzato per questa tesi. Una delle ultime effigi reali progettate da Le Brun Vent'anni prima del famoso e sontuoso ritratto dipinto da Rigaud nel 1701, che la storia ha conservato come illustrazione del regno, i pittori di corte si occupavano principalmente di ritrarre Luigi XIV come figura equestre (come il famoso ritratto di René-Antoine Houasse) o marziale, celebrando il re come vincitore di diverse campagne dopo essere stato in guerra in tutta Europa. Tra i pittori più importanti, Nicolas Mignard (1606-1668) propose diverse rappresentazioni di Luigi XIV come dio Marte, mentre Charles Le Brun (1619-1690) dipinse il re in modo più realistico come un condottiero in armatura, ritratti che lasciarono una forte impressione. Il modello del 1682 utilizzato nell'incisione sarebbe quindi una delle ultime effigi reali disegnate da Le Brun, che fu spodestato da Louvois a favore di Mignard dopo la morte di Colbert nel 1683. Il nostro dipinto, che sembra essere una variante di studio del ritratto di Charles Le Brun del 1682, testimonia una delle ultime effigi reali disegnate dall'artista. "Nei quindici anni che intercorrono tra Le Brun e Rigaud, non troveremo, né in pittura né in incisione, un tipo intermedio ben definito tra quello stabilito da Le Brun e la figura reale imposta dal pennello di Rigaud alla fine del regno". (Tenente colonnello Ch. Maumené e conte Louis d'Harcourt, Iconographie des rois de France, Archives de l'art français, Parigi, 1928-1931, p. 16). Opere correlate - Dopo Charles Le Brun, Portrait de Louis XIV, copia parziale del ritratto "Le roi en armure avec un casque empanaché" dipinto da Le Brun nel 1682. Castello di Versailles, menzionato senza nome dell'autore, Aile du Nord, secondo piano, sala dei ritratti, n. 141-150, nella guida del 1837; menzionato nella sala dei ritratti (n. 146), aile du Nord, attiques, nell'inventario del 1850; depositato al Musée Historique de Strasbourg il 2 aprile 1936, inv. MV 3497 (ill. 1). - Gérard EDELINCK (1640-1707), dopo Le Brun, Sorbonique de l'abbé Melchior de Polignac ("Triomphe de la Religion" o "Triomphe de l'Église") , Incisione, 1683-1686 circa, Musée du Louvre, Département des Arts graphiques, inv. 6839 (ill. 2). - Atelier di Charles Le Brun, Ritratto di Luigi XIV, Versailles, Châteaux de Versailles et Trianon, inv. V.2019.65 (ill. 3). - Attribuito a Pierre Rabon (1619-1684), dopo Le Brun, Portrait de Louis XIV à cheval, Douai, Musée de la Chartreuse, 1668, inv. 237 (ill. 4). Letteratura - E. Bellier de la Chavignerie e L. Auvray, Dictionnaire général des

Armand RASSENFOSSE (1862-1934) Au bar Huile sur carton double-face Cachet rouge de l’artiste en haut à gauche 44,5 x 35 cm Provenance: - Atelier de l’artiste, Liège (porte au dos l’étiquette) - Galerie Georges Giroux, n° du stock 4500 (porte au dos l’étiquette) - Collection particulière, Bruxelles

Lucien SIMON (1861-1945) "Bain en Bretagne" o "Partie de Bain en pays Bigouden" 1909 circa, acquerello e gouache su carta posata su tela firmata in basso a destra, 147 x 104 cm Bibliografia : Léonce Bénédite, "Lucien Simon aquarelliste", Art et Décoration, settembre 1909. André Cariou, Lucien Simon, Plomelin, Editions Palantines, 2002, riproduzione pagina 123. Mostre : Paries, Galerie Georges Petit, Mostra della Société nouvelle de peintres et sculpteurs. Quimper, Musée des beaux-arts, Lucien Simon, 2006, n. 67. Saint-Briac, Couvent et chapelle de la Sagesse, Lucien Simon, les plaisirs et les jours, 2011, illustrato a p. 32 del catalogo. Provenienza: collezione privata. Vendita da Mes Thierry, Martin et Lannon, Douarnenez, 23 luglio 1988, lotto 50 bis. ----------------------------------------------------------------------------------- "Questo tema improbabile - donne bigotte che fanno il bagno nude sulle rive di un torrente dell'Odet - è probabilmente precedente all'opera del 1909. Nel 1893, Lucien Simon, in vacanza a Bénodet dal 1890, anno del suo matrimonio con Jeanne Dauchez, riceve la visita dell'amico Émile-René Ménard. Sedotto dalle rive boscose dell'Odet, Ménard immaginò due donne che facevano il bagno nude nella baia di Kergos, vicino alla villa della famiglia Dauchez. Questo paesaggio tranquillo divenne per lui una sorta di Arcadia, dove cercò di esaltare l'armonia tra queste due donne e la natura (L'Anse de Kergos, ex collezione di Edward Aleksander Raczynski, Château de Rogalin). Probabilmente poco dopo, Lucien Simon dipinse una Nymphe des bois (ex collezione di Francesco Llobet, Buenos Aires), che mostra una giovane donna parzialmente svestita sulle rive di un fiume che potrebbe essere l'Odet. In seguito è alla ricerca di soggetti, tra L'embarquement de saint Gallonec (collezione privata) e Jésus guérissant des malades (Gesù che guarisce i malati), ambientato sulla spiaggia di Bénodet. Qualunque sia il soggetto, Simon attinge sempre alla solida formazione ricevuta. Il nudo era uno di questi, e non sorprende che abbia inventato il tema del bagno di Bigouden per disegnare diverse donne nude. Non sappiamo se questa scelta fosse motivata da ragioni aneddotiche. Come di consueto per le sue ambiziose composizioni, Simon lavorò a partire da piccoli schizzi e disegni dipinti, passando per grandi gouache e dipinti di grandi dimensioni per il Salon annuale. Potrebbero seguire repliche dipinte di varie dimensioni. Simon ha ambientato la sua scena in un angolo della riva del fiume, probabilmente l'Odet o una delle sue insenature, dominata dai tronchi di maestosi pini. Nelle varie versioni, gioca sull'inclinazione dei tronchi e sulla disposizione degli alberi sullo sfondo. In un'altra versione (ex collezione Francisco Llobet, Museo Nazionale di Belle Arti di Buenos Aires), sostituisce i tronchi con una parete rocciosa. Le versioni si differenziano per il numero di figure - tre, cinque o sei - e per la loro disposizione. Ogni figura è chiaramente identificata dal pittore, che le assegna un posto preciso. Gli atteggiamenti di ogni figura rivelano l'abile lavoro del pittore in studio, basato su modelli. A destra, una giovane donna che ha mantenuto i vestiti e si ripara sotto un ombrello osserva l'amica che fa il bagno. Più in basso, una giovane donna si sta vestendo. Poi, in riva al mare, un'altra si lava i piedi. Accanto a lei, una donna Bigoudène seduta indossa nastri e una vistosa gonna rossa. La bagnante al centro sembra guardare l'intruso che osserva il gruppo, in questo caso il pittore. Il tutto è magistralmente costruito per dare vita al gruppo, basandosi su grandi acquerelli a guazzo come quello della collezione di Auguste Rodin (Parigi, Musée Rodin) composto da tre figure. La grande versione dipinta esposta al Salon del 1910 (Parigi, Museo d'Orsay) presenta questa disposizione semplificata. Il grande disegno ad acquerello e gouache che mostra le cinque figure non è stato seguito da un dipinto. È chiaro che il pittore ha provato un grande piacere nel realizzare quest'opera, utilizzando una tecnica in cui eccelleva, come si può vedere nei suoi famosi disegni di Bigoudènes e Bigoudens. Auguste Dupouy, un altro devoto della regione di Bigouden, scrisse a proposito del Bagno acquisito dallo Stato (La peinture en Bretagne aux XIXe et XXe siècles, 1944, Librairie générale J. Philou, Rennes): "C'è anche un suo dipinto nel Lussemburgo intitolato Baigneuses, dove tre Grazie di Bigouden, riconoscibili solo per i loro copricapi, che hanno conservato, come alcuni altri del nostro grande scultore Quillivic, sono vestite solo nella loro giovinezza, che è formosa. Mentre gli dicevo quanto fossi stupito di questa spogliazione, che non era abituale per le donne bretoni, mi confidò che solo una delle tre, quella che aveva posato di fronte, si era vestita da giovane.

Delphin ENJOLRAS (1857-1945) - Delphin ENJOLRAS (1857-1945) "Giovane donna con rami di ciliegio in fiore". Pastello su tela firmato in alto a destra. Lievi danni dovuti alla rottura del vetro. Dimensioni: 80 cm x 63 cm Provenienza: Onorevole Philipp M.

Scuola francese del XVIII secolo, entourage di Jean-Baptiste SANTERRE Ritratto di Filippo d'Orléans, reggente di Francia Olio su tela (ovale, foxed, restauri) In un'antica cornice in legno intagliato e dorato (incidente) Filippo II, duca d'Orléans, era figlio di Monsieur, fratello del re Luigi XIV, e di Elisabetta Carlotta di Baviera, nota come principessa palatina. Nominato reggente di Francia alla morte dello zio nel 1715, mantenne il potere fino alla maggiore età del giovane Luigi XV, il 15 febbraio 1723. Morì a Parigi nel dicembre dello stesso anno. Il nostro dipinto è una versione in busto del ritratto di Philippe d'Orléans di Santerre al Museo del Prado (Inv. P002344).

Pierre ALECHINSKY (1927) Sans titre, 1976 Encre appliquée au pinceau et aquatinte sur papier chinois Signé et daté au crayon au centre à droite: "Pierre Alechinsky 1976" Annoté à gauche: "C.D vu" (probablement pour Christian Dotremont vu par Alechinsky) 98,5 x 60 cm Notre oeuvre s'articule ici en deux parties supérieure et inférieure, délimitées par des frises apposées énergiquement au pinceau, propres au vocabulaire esthétique d'Alechinsky. En partie supérieure, le grand motif circulaire à l'aquatinte rouge est un motif que l'artiste utilise souvent dans les années 1970, tel un soleil tournoyant et rayonnant sur la composition. En partie inférieure semblent évoluer deux figures en mouvement. L'homme de gauche au grand nez et coiffé d'un bonnet est probablement Christian Dotremont en bonnet lapon. Alechinsky a souvent rendu hommage à son cher ami et fondateur du groupe CoBrA, à travers plusieurs oeuvres et écrits, et notamment à travers quelques portraits dans lesquels il représentait le poète/artiste coiffé de son célèbre couvre-chef traditionnel de Laponie. La composition et les motifs qui composent notre oeuvre restent cependant très énigmatiques et nous renvoient à l'univers d'Alechinsky qui ne se situe jamais totalement dans l'abstraction ni la figuration, mais dans un monde dont les codes lui sont propres.

Ettore LE ROUX (1829-1900) Vestale addormentata davanti a un altare Olio su tavola. Firmato in basso a destra. 38 x 55 cm. Il nostro dipinto può essere confrontato con quello del Musée des Beaux-Arts di Ajaccio di Hector Le Roux, La vestale Licinia laissant éteindre le feu sacré (La vestale Licinia che lascia spegnere il fuoco sacro).

JAIME (Jaume) HUGUET e la sua bottega (Valls circa 1415-Barcellona 1492) Santa Maddalena Olio su tavola d'altare, pittura all'uovo su pannello rettangolare di pino (vecchi restauri) 103,5 x 69 cm Spessore: 3 cm Provenienza : Collezione del chirurgo Henri Hartmann, Saint-Leu-la-Forêt, fino al 1951; Rimasto in famiglia. Davanti a una nicchia a forma di conchiglia che poggia su colonne con capitelli e basi dorate, Santa Madeleine è posta davanti a un drappo d'onore che imita il velluto con motivi vegetali dipinti in nero su fondo oro. Il pannello è stato tagliato per rimuovere i piedi della santa, che è in piedi, rivolta leggermente a sinistra. È vestita con un ampio mantello rosso foderato di verde, evidenziato da bordature dorate in rilievo, che si apre per rivelare un abito viola a maniche lunghe plissettato in vita, il cui busto è impreziosito da una treccia dorata in rilievo. Nella mano destra tiene il vaso degli unguenti (suo attributo), mentre con la sinistra regge il libro sacro e una parte del mantello. Il suo volto ovale, con la fronte aperta incorniciata da lunghi capelli bifidi, emana un'espressione di dolce e meditativa malinconia. Jaime Huguet nacque a Valls (provincia di Tarragona) intorno al 1412. Alla morte del padre, nel 1419, lui e il fratello Antoni furono affidati allo zio pittore Pere Huguet. Dopo un primo apprendistato presso quest'ultimo, che si era stabilito a Tarragona intorno al 1424, Jaime continuò la sua formazione a Barcellona, dove seguì lo zio nel 1434.Tra il 1434 e il 1448, alcuni critici (Gudiol, Alcolea, Ainaud de Lasarte)[1] hanno ipotizzato che Jaime Huguet, ormai pittore di formazione, abbia soggiornato a Saragozza, al seguito dell'arcivescovo Dalmau de Mur, che in precedenza era stato responsabile della diocesi di Tarragona. Poco più tardi, la sua impronta stilistica si ritroverà su pittori aragonesi, in particolare su Martin de Soria. In mancanza di una documentazione precisa, questo soggiorno è stato negato dalla critica, tra cui Rosa Alcoy[2], che ipotizza che il pittore fosse attivo in Catalogna in quel periodo. I documenti confermano il trasferimento definitivo di Jaime Huguet a Barcellona solo nell'agosto del 1448. Si sposò lì nel 1454. Pittore riconosciuto, gestì un grande studio, circondato da assistenti, e assunse numerose commissioni dal re, dalle confraternite religiose e dalle corporazioni commerciali della città e della regione catalana. Dalla pala d'altare di San Vincenzo di Sarria del 1450-1460 circa, a quella dedicata a San Sebastiano e Santa Tecla (Barcellona, cattedrale) documentata dal 1486 al 1498[3], sono una decina le pale d'altare, spesso monumentali, uscite dalla bottega di Huguet. La nostra Santa Maddalena fu indubbiamente realizzata in questa bottega, sotto la direzione di Jaime Huguet. Tra gli assistenti che lavoravano con il maestro, conosciamo soprattutto la famiglia Vergos[4], legata alla famiglia di Jaime dal 1454 e uno dei cui membri, il pittore decorativo Jaume Vergos II, fu testimone al matrimonio di Huguet. I due figli di Vergos II, Pau e Rafael, continuarono i legami tra le due famiglie dopo la morte di Jaime Huguet nel 1492. In effetti, la critica ha notato la presenza di uno di questi assistenti in alcune scene della pala d'altare di Sant'Agostino (Barcellona, Museu Nacional d'Art de Catalunya) per l'omonimo convento di Barcellona, commissionata nel 1463 e completata nel 1486, di cui Huguet realizzò solo la Consacrazione episcopale del santo e, nella predella, l'Ultima Cena e la Salita al Calvario (Museu Marès, Barcellona) (cfr. Gudiol, Alcolea, figg. 835,837,78). A Jaime Vergos II si deve anche gran parte della pala d'altare di Santo Stefano a Granollers (1493-1500) (Barcellona, Museu Nacional d'art de Catalunya), eseguita dopo la morte del figlio Pau nel 1495 e quella di Jaime Huguet nel 1492. È proprio a questo clima che circonda Jaime Huguet e la sua bottega che diversi storici hanno suggerito di collegare questa Santa Maddalena ancora inedita. Consultato tra il 1987 e il 1990 dal suo ultimo proprietario, Charles Sterling (lettera del 18 settembre 1987) lo colloca alla fine della carriera dell'artista, mentre M. C. Farré i Sempera lo attribuisce a Jaime Vergos[5]. In questa pala d'altare ancora sconosciuta, accanto all'espressione dolce e penetrante di Huguet, si nota un'esecuzione più asciutta nella descrizione delle vesti e degli ornamenti, che fa pensare alla mano di un collaboratore. È senza dubbio quest'ultimo ad aver eseguito in seguito il Trasporto della croce (Barcellona, MNAC n. 24.154), la tavola di predella della pala di Saint Etienne de Granollers, che riproduce la scena con lo stesso soggetto dipinta da Huguet nella pala di Sant'Agostino (Barcellona, Museu Marès). Dobbiamo quindi supporre che ci sia stata una collaborazione tra i Vergos e Jaime Huguet, come qui illustrato dalla nostra Maddalena. [1] J.Gudiol e S.Alcolea (Pintura Gotica Catalana, Barce

ROLEX OYSTER PERPETUAL DATE/ GMT- MASTER II COKE REF.16710, circa 1995 Orologio GMT (secondo fuso orario) con indici cerchiati al trizio. Cassa in acciaio con spalla a protezione della corona, anse forate e fondello a vite. Lunetta Coke bicolore, nera per le ore notturne e rossa per le ore diurne. Lancetta a freccia rossa che indica il secondo fuso orario. Quadrante nero con indici cerchiati, lancette scheletrate e data a ore 3 sormontata da una lente d'ingrandimento Cyclops. Vetro zaffiro e bracciale Oyster d'acciaio Rolex vintage (78360). Numerato S699943. Diametro 40 mm. Custodia Rolex vintage in pelle verde.

Jan MATEJKO (1838-1893), attribué à - Ritratto di Antoni Serafinski Olio su tela 56 x 46 cm

DIAZ de la PENA Narcisse Virgile (1808-1876) Peonie Olio su tavola, firmato in basso a destra 14,4 x 9,6 cm

Félix ZIEM (1821-1911) Baia nel Mediterraneo Olio su tela. Firmato in basso a destra. 32 x 46,6 cm Bella cornice in legno dorato e stuccato del XIX secolo. Certificato del Comité Félix ZIEM, archivi Pierre Miquel, datato 3 luglio 2013.

Françoise GILOT (1921-2023) L'artista e sua figlia, 1957 Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. 19 x 27 cm

Jean DUFY (1888-1964) - Il bacino della Manica a Le Havre Olio su tela Firmato in basso a destra 74 x 100 cm Questo dipinto sarà inserito nel catalogo ragionato attualmente in preparazione. Un certificato del signor Jacques Bailly sarà consegnato all'acquirente. JEAN DUFY E LE VEDUTE DI PARIGI Provenienza Collezione privata, Francia

SCUOLA FRANCESE del XVII secolo, seguito di Philippe de CHAMPAIGNE San Pietro in preghiera Tela montata su cartone (qualche macchia, minima perdita di materiale, leggera sgualcitura all'attaccatura dei pannelli) 70 x 51 cm

VICTOR CHARRETON (FRANCIA/ 1864-1936) Giardino vivace in primavera (recto), Studio di mare al chiaro di luna (verso) Olio su tavola Firmato "Victor Charreton" (in basso a sinistra) 33 x 50 cm. Esperto: Thomas Morin Williams

École flamande vers 1625 Étalage d'un marchand de poissons, allégorie du toucher Toile 109 x 195 cm Ce lot est décrit par le Cabinet Turquin.

Scuola francese del XIX secolo Mazzo di fiori Olio su pannello 48 x 33 cm

Élisée MACLET (1881-1962) - Il Moulin de la Galette a Montmartre innevata Olio su tela Firmato in basso a sinistra 46,5 x 55 cm

Ecole Française du debut du XIXe siècle - Ritratto di un giovane con mantello ocra e sciarpa rossa, presumibilmente il musicista e compositore Victor DOURLEN (1780-1864). Olio su tela. Riverniciatura, restauri. In una cornice rettangolare in legno dorato con palmette, recante un cartiglio "INGRES 1780-1867". H. 60,5 x L. 50 cm (tela).

Robert COMBAS, né en 1957 - JOSIÉ TRIANGOLARE, IL RE DEI PAESAGGI VERDI SU SFONDO ROSA Acrilico su tela firmato in basso a destra 114 x 146 cm Bibliografia: quest'opera è citata negli archivi di Robert Combas. Un certificato di autenticità dell'artista sarà consegnato all'acquirente.

Frans SMEERS (1873-1960) La pêche Huile sur toile Signé en bas à droite: «F. Smeers» 50 x 60 cm (tache)

Gudmudur ERRO (nato nel 1932) Il diavolo e Jawlensky 1864-1941, 1990. Acrilico su tela firmato, datato e titolato sul retro. 46,5 x 33 cm

GEN PAUL (1895-1975) Il cavaliere Olio su tavola. Firmato in alto a destra. 40 x 26 cm (veduta) Si ringrazia il comitato Gen Paul per aver confermato l'autenticità di quest'opera.

Alfred STEVENS (1823-1906) Marine Huile sur panneau Signé en bas à droite: A Stevens" 33 x 24 cm

Marie-Rosalie Bonheur dite Rosa Bonheur (1822-1899) Attribuito a Scena di campagna Olio su tela Firmato in basso a destra XIX secolo Restauro dovuto all'uso e alla cura, craquelures Dimensioni a vista: H: 30; L: 42 cm

Jules NOËL (1815-1881) L'ingresso del porto, 1878 Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Titolato su un'etichetta e numerato 2176 sul retro. 55 x 38 cm Cornice in stile Luigi XV con decorazione a stucco e dorata. PROVENIENZA: Calais, Pillon, 1/3/1991, n°34. OPERA COLLEGATA: un'opera molto simile, intitolata Marine 1877, si trova al Musée de Vannes.

BEUCKELAER Gioacchino (1533-1575) Ritorno dal mercato Olio su tela, firmato sopra e datato sopra la traversa "Joachim Beucklaer fecit" / "157..." (forse una tavola trasposta) 113 x 78 cm

HARPIGNIES Henri-Joseph (1819-1916) La strada per Saint Privé Olio su tavola, firmato e datato 85 in basso a sinistra e situato in basso a destra 24 x 34 cm

LEFEBVRE Jean-Baptiste, attribuito a (prima del 1719-dopo il 1780) La visita al dentista Olio su tela, firmato nel cartiglio dell'orologio "Lefebvre pinxit". 79 x 101 cm Provenienza: collezione Cailleux nel 1928. Mostre: La vie parisienne au XVIIIe siècle, Parigi, museo Carnavalet, 1928, n°69; Rétrospective de la ville de Paris, Parigi, Musée d'Art Moderne, 1937; Le costume d'autrefois, Parigi, Musée Galliera, 1938, n°336; La vie familiale scènes et portraits, Parigi, Galerie Charpentier, 1944; La chirurgie dans l'art, Parigi, Musée Galliera, 1951; Des dents et des hommes, Parigi, Couvent des Cordeliers, 1992-1993, n°97. Bibliografia: A.& P. Baron, L'art dentaire à travers la peinture, Paris, 1986, p. 191 ; R. King, The history of dentistry: technique and demand, Cambridge, 1997, p. 10 ; C. Hillam, Dental practice in Europe at the end of the 18th century, Amsterdam and New York, 2016, p. 39, fig. 1.1 riprodotta; R. King, The making of the dentist, c. 1650-1760, Londra, ristampa 2017, n. 6.2. L'opera è particolarmente notevole per due motivi. In primo luogo, segna un cambiamento radicale nella rappresentazione tradizionale del dentista nella storia dell'arte. Non si tratta più di una scena da fiera o da cabaret in cui il dentista o il chirurgo è solitamente visto come un ciarlatano. Il dentista riceve gli ospiti nella propria casa e appare vestito come un ricco borghese, con tanto di parrucca. D'altra parte, ritrae realisticamente un importante cambiamento nella pratica medica, in particolare nella postura del dentista. Fino a quel momento, quando eseguiva un intervento chirurgico, il dentista operava con il paziente a terra, per fare leva. Questa rappresentazione realistica dello studio, il trattamento meticoloso dei dettagli dell'arredamento e dei costumi e le caratteristiche personalizzate delle figure suggeriscono che questo potrebbe essere il ritratto di un noto professionista dell'aristocrazia e dell'alta borghesia parigina, come Robert Bunon, Claude Mouton, Jean-François Capperon o Louis L'Ecluse. Non si conoscono ritratti di Jean-François Capperon (1695-1760), ma è plausibile che sia lui il dentista raffigurato in questo dipinto, data la sua età, il suo status sociale e la sua fama: nato nella borghesia parigina, divenne rapidamente un dentista esperto e fu nominato chirurgo e primo operatore del re. Luigi XV lo ricoprì di favori (brevetti, mance, doni di terreni a Parigi e Versailles) prima di nobilitarlo nel dicembre 1745. Oltre al re e alla regina, Capperon aveva tra i suoi clienti il Delfino e suo figlio, il duca di Borgogna; legato alla casa di Pierre-Charles de Lorraine, era anche dentista all'Ecole Militaire. Il dipinto è stato talvolta attribuito a Nicolas Lefebvre, un ritrattista della fine del XVII e dell'inizio del XVIII secolo. Anche una dozzina di pittori del XVIII secolo portano questo cognome. L'attribuzione a Jean-Baptiste sembra la più ragionevole data la somiglianza stilistica tra le sue opere conosciute e il nostro dipinto, come il Portrait de Marie-Thérèse Girard, née Bouchardon messo in vendita il 24 settembre 2021 a Parigi (Me Marc-Arthur Kohn), n. 29. Ringraziamo Stéphanie Guérit per il suo aiuto nella stesura di questo avviso.

Pittore italiano di scuola bolognese (attivo nel XVI secolo) Ritratto di un umanista o di un ricco mercante Questo ritratto rappresentativo del tardo Rinascimento italiano mostra un gentiluomo di mezza età e con la barba, seduto su una poltrona, vestito con abiti lunghi e scuri che si addicono al suo rango, con il corpo e il volto rivolti verso lo spettatore in mezzo profilo. Mentre tiene un fazzoletto bianco nella mano destra, piegata verso il basso, la mano sinistra è aperta verso l'alto in un gesto eloquente. La riuscita composizione ricalca il celebre ritratto di papa Giulio II di Raffaello del 1511 (che tiene anch'egli un fazzoletto bianco nella mano destra) e la tipologia del ritratto di papa Paolo II di Tiziano (1543) e del ritratto tizianesco del re Filippo II di Spagna (1545) basato su di esso. Secondo l'iscrizione in basso a destra, si tratta di un ritratto eseguito nel 1551 dalla mercante fiamminga Giovanna d'Anna (morta nel 1574), che visse a Venezia e fu amica e mecenate di Tiziano. Stilisticamente, il ritratto può essere attribuito alla scuola bolognese del XVI secolo, fortemente influenzata da importanti artisti del nord Italia come Tiziano e Tintoretto. Tra i possibili autori figurano Bartolomeo Passarotti (1529 Bologna - 1592 Roma) e Lavinia Fontana (1552 Bologna - 1614 Roma), anche se la data di nascita della Fontana la escluderebbe, ammesso che l'iscrizione del 1551 sia autentica e non sia stata aggiunta successivamente. Olio su tela; iscrizione e data romana. "GIOVANNI DANNA E.S. A. D. MDLI". Sul verso antico sigillo in ceralacca rossa con stemma e iscrizione "ACCADEMIA CLEMENTINA BONONIENSIS" dell'Accademia d'arte di Bologna denominata "Accademia Clementina" dal 1711. 127,5 cm x 109,5 cm. Cornice. Provenienza: 1957-2016 collezione privata svizzera; asta Koller, Zurigo, 18 marzo 2016, lotto 6513 (come scuola veneziana del XVI secolo). Pittore italiano di scuola pittorica bolognese attivo nel XVI secolo; Olio su tela. Iscritto e datato 1551 in numeri romani "GIOVANNI DANNA E.S. A. D. MDLI". Antico sigillo in cera rossa con stemma dell'Accademia Clementina di Bologna.

Charles CAMOIN (1879-1965) Cassis, la rete dei ricattatori, 1898-1900 circa Olio su tela appoggiato su cartone Firmato in basso a destra 22 x 24 cm Quest'opera è conservata negli archivi Camoin. Un certificato può essere richiesto dall'acquirente.

JULES DUPRÉ (1811-1889) - JULES DUPRÉ (1811-1889) Paesaggio con stagno Olio su cartone Firmato in basso a destra (Restauri) Olio su cartone, firmato in basso a destra 22,5 x 32 cm - 8 7/8 x 12 5/8 in. Provenienza Collezione privata, Francia (per discendenza)

SCUOLA SPAGNOLA 1660 circa Ritratto di giovane uomo Tela montata su pannello. Restauri. 54 x 42 cm

RAHL Carl (1812-1865) Allegoria della poesia Olio su pannello 23,5 x 18,5 cm

Composition géométrique - Composition géométrique, provenienza: Galerie Lases, Amsterdam.Letteratura: -R. Creuze, "Serge Charchoune", vol. I, Paris 1975, p. 108, cat. n. 124, illustrato. -P. Guenegan, "Charchoune catalogue raisonné 1925-1930", Lanwell & Leeds (publ.) 2007, cat. n. 1927/079, illustrato,olio su tela, 20x14 cm (37,5x31,5 cm con cornice), firmato e datato "S.CHARCHOUNE 07" (in basso al centro), Serge Charchoune (1888-1975)

Fernando BOTERO (1932-2023) - Bailaora o La ballerina di flamenco Matita di grafite e lumeggiature di gesso bianco su carta Firmato in basso a destra Etichetta della Galerie Claude Bernard sul retro 35,5 cm x 44 cm. Provenienza Galerie Claude Bernard Vendita Ader-Tajan, dicembre 1994 Acquistato in questa vendita dall'attuale proprietario Collezione privata, Francia

Yves BRAYER (1907-1990) Strada in Camargue Olio su tela, firmato in basso a sinistra Titolato e datato 1958 sul retro 63 x 81 cm

Jacob de BACKER (Anversa 1540-1590 circa) (e bottega) Lot e le sue figlie (Genesi, XIX, 31-36) Olio su tavola 74 x 105 cm Vecchio parquet sul retro. Piccola crepa sulla tavola. Replica della composizione di Jacob De Backer di dimensioni simili (82,6 x 106 cm) nel palazzo Sans souci di Potsdam, oggetto di numerose rivisitazioni (cfr. Eckhard Leuschner, Defining De Backer. Nuove prove sull'ultima fase del manierismo di Anversa prima di Rubens. Gazette des Beaux - Arts 6. Pér. 137,143. pp. 167 - 192 (2001) Esperto : - Patrice DUBOIS, membro del Syndicat Français des Experts Professionnels en oeuvres d'Art et Objets de Collection. - Pierre Antoine Martenet

RARE LORGNETTE DANS SON ÉCRIN AU CHIFFRE DE L’EMPEREUR NAPOLÉON IER - Cannocchiale da campagna o d'opera a 5 colpi a scomparsa in ottone dorato, con lente rifinita da gadroons in metallo argentato incorniciati da due fregi perlati con punte di diamante, non firmato. Nella custodia circolare in marocchino rosso decorata con un semiset di stelle dorate, il coperchio incernierato da un pulsante metallico è delimitato da un fregio di stelle e centrato dalla figura coronata di Napoleone I, interno in velluto color crema. Periodo Primo Impero. P. 4,7 cm; P. 2,8 cm piegato e 9,6 cm aperto. Astuccio: H. 4 x P. 6 cm. Provenienza Napoleone I, imperatore dei francesi. Storia La lorgnette, o "cannocchiale tascabile", è un piccolo telescopio utilizzato per vedere oggetti distanti poche decine di metri dall'osservatore. Strumento pratico per correggere i difetti della vista, nel XVIII secolo divenne anche un oggetto di moda, poiché veniva adornato con decorazioni e materiali preziosi, forniti da ottici e orafi rinomati. Più elaborato degli strumenti militari, era soprattutto un accessorio sociale, indispensabile a teatro o all'opera per osservare gli attori in scena. "Non solo in campagna, ma anche in città, Napoleone usava un cannocchiale tascabile" (Frédéric Masson). Sappiamo che Napoleone, che era leggermente miope, usava regolarmente occhiali tascabili o lorgnette, come attestano diverse memorie contemporanee. Il barone Fain, segretario privato dell'imperatore, disse di lui che "la sua vista non era eccellente, quindi rimediava con un cannocchiale che portava sempre con sé". L'uso che Napoleone faceva dei suoi strumenti sul campo è testimoniato dal famoso dipinto Napoleone I alla battaglia di Wagram, il 6 luglio 1809, in cui Horace Vernet lo mostra mentre scruta l'ambiente circostante attraverso un cannocchiale. Ma l'Imperatore usava i suoi occhiali tascabili anche nella vita civile di tutti i giorni. Nei resoconti della casa dell'Imperatore, lo storico Frédéric Masson annota diversi ordini di lorgnette, con il suo ciambellano che gliene forniva diverse copie per sostituire quelle perse o talvolta regalate. Una lorgnetta e almeno tre piccoli occhiali sono ancora elencati nell'inventario dei beni dell'imperatore in esilio a Sant'Elena nell'aprile 1821. Sembra che durante il Consolato Napoleone si sia avvalso dei servizi degli ottici britannici, che all'epoca erano all'avanguardia nella produzione di occhiali di precisione. Sotto l'Impero, Napoleone si rivolse soprattutto a Noël-Jean Lerebours (1762-1840), il primo ottico francese a competere con gli inglesi in questo campo, che vinse un premio al Salon del 1806 per i suoi cannocchiali, telescopi e altri strumenti ottici. Nel suo Catalogue et prix des instruments d'optique, de physique, etc., troviamo, accanto ai cannocchiali da campo, modelli con lenti più piccole destinati all'uso civile. L'azienda Lerebours si vantava di essere all'origine della loro produzione, chiamandoli "cannocchiali Lerebours". La manutenzione quotidiana degli strumenti ottici dell'imperatore era affidata a un uomo di fiducia, come il suo mamelucco Roustam, addestrato a questo compito dallo stesso Lerebours, che nel 1805 scrisse Instructions sur la manière de nettoyer les verres des lunettes (Istruzioni su come pulire le lenti degli occhiali). L'ottico Chevallier, già fornitore della Corte di Versailles, e l'orafo Bapst sono ancora tra i fornitori di Napoleone. Opere correlate - Lorgnette tascabile, di Chevalier opticien, con la sua custodia. Musée Napoléon de Fontainebleau, inv. F.2016.6, ex collezione del Comte de Ségur, vendita Floralies del 4 giugno 1970, lotto 289. Questa lorgnetta ha cinque livelli scorrevoli e una base in madreperla sfaccettata (ill. 1). - Lorgnette da teatro e astuccio con figura di Joséphine, di Lerebours opticien. Château de Malmaison, inv. MM 66.1-1 e 2 (ex collezione del conte Roger Walewski). - Piccolo cannocchiale o lorgnetta da tasca, con la sua scatola (fornita dall'orafo Bapst). Musée de l'Armée, inv. 6212-Ca25. - Lorgnetta napoleonica da tasca in corniola (senza astuccio), opera dell'ottico Lerebours. Musée de l'Armée, inv. 851-Ca26. Regalata dall'Imperatore a Mme Pellaprat, moglie del Ricevitore Generale di Lione (ex collezione Charles Costes). - Cannocchiale d'avorio con incisa la "N" di Napoleone, opera dell'ottico Lerebours. Musée de l'Armée, inv. n°5331-Ca206. - Lorgnette inclusa nel kit da viaggio di Napoleone, consegnato da Biennais e Lorillon nel 1806. Musée du Louvre, dipartimento degli oggetti d'arte, inv. OA 10359, ex collezione dello zar Alessandro I. - Due lorgnette tascabili di Bonaparte e Giuseppina del periodo del Consolato,

LEPRINCE Auguste Xavier (1799-1826) Scena di mercato con capriccio architettonico Olio su tela, firmato in basso a destra "A X Leprince". 50 x 61 cm Provenienza : Vendita anonima, Parigi, Palais Galliera, 5-6 aprile 1962, n. 124, riprodotto

Pontoy, Henry Jean Ksar im südlichen Marokko. Um 1930. Öl auf Leinwand, ganzflächig auf Malkarton kaschiert. Ca. 54 x 85 cm. Signiert. Gerahmt. - Leinwand an den Rändern teils leicht unregelmäßig beschnitten. Im oberen Bildbereich mit wenig merklich - Paesaggi - Oriente Pontoy, Henry Jean Ksar nel sud del Marocco. Circa 1930. Olio su tela, montato su tutta la superficie su cartoncino. Circa 54 x 85 cm. Firmato. Incorniciato. - Tela parzialmente rifilata in modo irregolare ai margini. Nella zona superiore dell'immagine piccole macchie superficiali appena percettibili e piccole perdite di colore. Molto occasionalmente fine craquelure. Nessun ritocco riconoscibile ai raggi UV. Nel complesso molto buono. Potente scena nel tipico stile personale dell'artista, con colori opachi e freschi. Ringraziamo il signor Frédérick Chanoit per aver gentilmente autenticato questo dipinto. L'opera sarà inserita nei "Les archives Pontoy". - Henry Jean Pontoy è stato un pittore francese, importante rappresentante dell'orientalismo del XX secolo, che ha studiato all'École des Beaux-Arts de Paris e ha partecipato a diversi saloni con opere successive alla sua laurea. Il 1926 rappresenta un punto di svolta per il suo lavoro, poiché riceve una borsa di studio itinerante dalla Société coloniale des artistes français, che lo porta in Nord Africa. Pontoy viaggiò in città e luoghi della Tunisia, del Marocco e dell'Algeria. Oltre ai motivi del paesaggio, della cultura e degli abitanti dei Paesi, partecipa alla vita culturale e artistica e diventa membro del Salon Tunisien subito dopo il suo arrivo. Pontoy trascorse diversi anni in Nord Africa e ricevette riconoscimenti per il suo lavoro, vincendo il gran premio della città di Algeri nel 1933. Stilisticamente, le sue opere testimoniano un'esplorazione sensibile che coglie perfettamente le persone, la natura e le condizioni climatiche in una pittura ariosa caratterizzata da luci e ombre, che conferisce una sfumatura realistica all'orientalismo fino ad allora accademico. Il nostro dipinto è stato realizzato durante un soggiorno nel sud del Marocco e mostra le rive di un fiume di fronte a uno ksar (castello o fortezza in arabo), un insediamento tipico e tradizionale. Marocco - Arte orientale. - Olio su tela, completamente montato su tavola. Firmato. Incorniciato. - Tela parzialmente tagliata in modo leggermente irregolare nel margine. Nella zona superiore dell'immagine piccole macchie superficiali appena percettibili e piccole scheggiature. Molto occasionale e fine craquelure. Nessun ritocco visibile ai raggi UV. Nel complesso molto buono. Potente scena nel tipico stile personale dell'artista, dipinta con colori opachi. - Si ringrazia il sig. Frédérick Chanoit che ha gentilmente autenticato il dipinto. L'opera sarà inserita in "Les archives Pontoy"}. - Henry Jean Pontoy è stato un pittore francese e un importante rappresentante dell'orientalismo del XX secolo. Ha studiato all'École des Beaux-Arts de Paris e, dopo la laurea, ha partecipato a diversi saloni con le sue opere. Il 1926 è un anno di svolta per il suo lavoro: riceve infatti una borsa di studio dalla Société coloniale des artistes français che lo porta in Nord Africa. Pontoy visitò città e luoghi in Tunisia, Marocco e Algeria. Oltre ai motivi del paesaggio, della cultura e degli abitanti dei Paesi, Pontoy partecipa alla vita culturale e artistica e diventa membro del Salon Tunisien subito dopo il suo arrivo. Trascorse diversi anni in Nord Africa e ricevette riconoscimenti per il suo lavoro, vincendo il Gran Premio della città di Algeri nel 1933. Stilisticamente, le sue opere sono caratterizzate da un'esplorazione sensibile dei suoi soggetti, le persone, la natura e le condizioni climatiche colte perfettamente in modo caratterizzato da luci e ombre che diedero una sfumatura realistica all'orientalismo fino ad allora accademico. Il nostro dipinto è stato realizzato durante un soggiorno nel sud del Marocco e mostra le rive di un fiume di fronte a uno ksar (in arabo alto significa castello o fortezza) che è una tipica e tradizionale tipologia architettonica abitativa.