Opere su carta

Lotti consigliati

Johannes Grützke (1937 Berlin - 2017 ebenda) (F) - Johannes Grützke (1937 Berlino - 2017 ibid.) (F) Nudo maschile in biancheria intima, gesso pastello e disegno su carta, 150 cm x 65 cm dimensioni interne della cornice, monogramma, datato 74, fori di spillo ai bordi, leggermente ondulato in alcuni punti. Il pittore, grafico e scenografo Johannes Grütze (1937 - 2017) era interessato alla rilevanza sociale e politica. Si preoccupa delle discrepanze e delle tensioni che aprono il tema dell'"essere umano" in questa connessione altrettanto provocatoria e stringente. Dal 1957 al 1964 frequenta la Hochschule für Bildende Künste di Berlino, dove diventa allievo di Peter Janssen, e partecipa all'Accademia estiva internazionale di Salisburgo, diretta da Oskar Kokoschka. Nel 1973 fondò la "School of New Magnificence" con altri artisti e nel 1991 pose una pietra miliare nella sua opera con il suo murale "Zug der Volksvertreter" nella Paulskirche di Francoforte. Entrambi i disegni a pastello, offerti in due lotti successivi, appartengono al periodo tra questi due importanti eventi della sua vita artistica e mostrano un nudo. Quella del 1988 in un movimento di passo, l'altra del 1974 in piedi saldamente a terra: con colpi vibranti, non solo le gambe dell'attaccante che cammina sono dipinte, ma anche gli spazi aperti, l'aria intorno alle gambe, sembra completamente carica di energia verde, bianca, rossastra. Il secondo nudo appare maschile e tuttavia indossa una sottoveste femminile con una balza, che viene tirata verso l'alto con la mano destra in modo che l'addome sia esposto. Su entrambi i piedi, il nudo sta in piedi, saldamente a terra, le gambe tese, disegnando la linea del corpo più in alto fuori dal quadro attraverso il braccio sollevato. L'occhio segue il fisico in entrambi i momenti in un modo quasi teatrale di una ballerina. Un gioco di opposti è evidente in questi disegni - movimento e immobilità - intervallati da temi di rilevanza socio-politica (ancora oggi) in forma scenica. Johannes Grützke (1937 Berlino - 2017 ibid.) (F) Nudo maschile con indumento intimo, gesso pastello e disegno su carta, 150 cm x 65 cm, dimensioni della cornice interna, monogramma, 74 data, fori di spillo ai bordi, parzialmente leggermente ondulato

Stima 3.000 - 3.000 EUR

PABLO PICASSO (1881-1973) NU LAVIS, 19.4.72, 1972 Inchiostro di china su carta Firmato e datato in alto a destra Inchiostro di china su carta; firmato e datato in alto a destra 64,8 X 49,3 CM - 25 1/2 X 19 3/8 IN. PROVENIENZA Galerie Louise Leiris, Parigi. Acquistato da quest'ultimo dall'attuale proprietario. MOSTRA Parigi, Galerie Louise Leiris, 172 disegni in nero e a colori, dal 21 novembre 1971 al 18 agosto 1972. BIBLIOGRAFIA Christian Zervos, Pablo Picasso, Œuvres de 1971 à 1972, Éditions Cahiers d'art, Parigi: 1972, vol. 33, riprodotto in bianco e nero al n. 354, p. 125. All'inizio degli anni '60, Picasso trova rifugio in quella che sarà la sua ultima casa, il Mas Notre-Dame-de-Vie, a Mougins. Si stabilì lì con Jacqueline Roque, la sua ultima compagna. Vivevano in isolamento, accettando pochi visitatori in modo che l'artista potesse concentrarsi sulla sua creazione. Le Dernier Picasso'1 ripercorre le diverse tappe della sua vita, rivelando la sua ossessione per l'erotismo disinibito, come dimostrano Raphael e La Fornarina, dalla Suite 347, realizzati al riparo del tumulto del maggio 1968. Questa serie di incisioni raffigura acrobati, soldati e prostitute che si incontrano al bordello, al circo, al ballo e allo studio, in un mondo dove l'erotismo è onnipresente. I quadri provocatori di questo periodo furono portati alla luce in una mostra che fece scalpore nel 1970 al Palazzo dei Papi di Avignone. A differenza della Galerie Louise Leiris, che nel 1968 presentava alcune opere dietro una tenda, Yvonne e Christian Zervos hanno scelto le pareti del palazzo per riunire più di centosessanta dipinti e circa quarantacinque disegni. Gli ultimi quadri di Picasso sconvolgono per la durezza dei colori, ma soprattutto per l'erotismo delle composizioni. I critici dell'epoca furono molto duri; il famoso curatore di mostre, Harald-Szeeman, in una rubrica fece una dura critica all'artista e considerò che "Picasso non significa più nulla, e che nessuno tra i giovani sperimentatori si preoccupa di lui (...) Il nostro maestro che esprime il nostro futuro non è lui ma Marcel Duchamp". Solo nel gennaio 1984, quando la mostra Picasso: 'The Last Years', 1963-1973 fu aperta al Guggenheim di New York, le critiche furono ribaltate. Questa grande retrospettiva è stata dedicata all'ultimo decennio della vita del maestro catalano, che è stato a lungo censurato perché troppo osceno. La mostra fu poi presentata al Centro Georges Pompidou nel 1988 con il nome di "The Last Picasso". Da allora, altre importanti mostre dedicate a quest'ultimo periodo sono state realizzate, in particolare al Jeu de Paume nel 2001: "Picasso erotico". Quest'ultimo periodo della vita di Picasso è presentato senza tabù; non si tratta più di censurare incisioni erotiche o dipinti di nudi femminili. Oggi, le opere dell'"Ultimo Picasso", tra cui questo inchiostro su carta, sono un elemento centrale nelle mostre del maestro e suscitano la curiosità dei visitatori. Nel catalogo della mostra "Le Dernier Picasso", Marie-Laure Bernardac guarda a quest'ultimo decennio e alla serie dei grandi nudi2: "Dopo il 1963, la ricca e varia iconografia dei primi dieci anni, che attingeva allegramente alle immagini del passato, divenne secondaria rispetto alla forma pittorica. È nelle incisioni che la narrazione continua. Non c'è più alcun riferimento diretto a temi antichi, né composizioni con più figure. Picasso predilige le figure isolate, gli archetipi, e si concentra sull'essenziale: il nudo, la coppia, l'uomo travestito o spogliato, un modo per parlare delle donne, dell'amore, della commedia umana. Dopo aver isolato il pittore in una serie di ritratti, era logico che Picasso dipingesse anche la modella da sola, cioè la donna nuda distesa su un divano, offerta allo sguardo del pittore, al desiderio dell'uomo. Una delle caratteristiche di Picasso, rispetto a Matisse e a un buon numero di pittori del XX secolo, è che prende come modello, come musa, la propria moglie, quella che ama, quella con cui vive quotidianamente, e mai una modella professionista. Quello che dipinge non è dunque un "modello" di donna, ma la donna-modello. Questa differenza ha conseguenze nel campo emozionale come in quello pittorico, perché la donna amata è la "pittura", e la donna dipinta è la donna amata; non c'è dunque nessuna distanza possibile. D'altra parte, Picasso non ha mai dipinto dal vero, Jacqueline non ha posato per lui, ma era lì, ovunque, sempre presente. Tutte le donne di questi anni sono Jacqueline, e allo stesso tempo sono raramente ritratte. [...] I primi nudi, massicci, voluminosi, sono distesi su un letto, e visti di profilo, mentre offrono alla vista tutte le loro parti - le due gambe con i loro enormi piedi, le due braccia, le due gambe con le due braccia.

Stima 200.000 - 300.000 EUR

Heinz Mack (1931 Lollar) (F) - Heinz Mack (1931 Lollar) (F) 'prima vera 2', pastello a gesso su carta a mano, 62 cm x 48 cm formato foglio, firmato, datato 77, titolato, montato, leggermente ondulato. La questione centrale del gruppo ZERO, composto da Heinz Mack, Otto Piene e Günther Uecker, è quella dell'arte stessa. L'arte è fatta solo per essere rappresentata? È proprio questa domanda che deve essere superata! I suddetti artisti hanno quindi fatto un lavoro rivoluzionario che continua a riverberare nell'arte contemporanea fino ad oggi. Mack segue il principio di "prendere un elemento e poi metterlo in una struttura di ritmo e ripetizione". Queste ripetizioni hanno tutte la loro sensibilità e il loro significato nella struttura generale dell'opera". Le leggi della natura seguono principi simili, perché anche il ritmo giorno-notte o le stagioni ricorrono. La vita è guidata da loro. Heinz Mack è molto interessato a come l'arte e la natura sono direttamente collegate. Come artista, cerca di superare la pittura tradizionale elaborando l'intensità della luce e dello spazio. Riesce a concentrare precisamente questa energia emergente in un luogo specifico e, per esempio, a trasformare un campo di colore in un campo di tensione. La rappresentazione della primavera con la sua natura colorata è un soggetto popolare che si può trovare in ogni epoca artistica. Mack lo traduce in cromatismi di piccolo formato in modo che cominci a vibrare di energia colorata. Nel 1977, "Primavera 2", un gradiente di colore costruito verticalmente di blu prismatico, verde e giallo, è stato dipinto in gesso pastello su carta fatta a mano. Dal blu cobalto al piacevole giallo agrumi, Mack scatena un'affascinante gamma di colori. I colori freschi della primavera sono creati nella vegetazione dalla luce del sole che risveglia la flora dopo il lungo inverno buio. Il gradiente di colore non solo sembra un campo di colore rifratto dalla luce, ma ricorda quasi il capolavoro musicale di Igor Stravinsky "Le sacre du printemps". Heinz Mack (1931 Lollar) (F) prima vera 2', gesso pastello su carta a mano, 62 cm x 48 cm dimensione del foglio, firmato, 77 datato, titolato, montato, leggermente ondulato. La questione centrale del gruppo ZERO, composto da Heinz Mack, Otto Piene e Günther Uecker, è quella dell'arte stessa. L'arte è fatta solo per essere rappresentata? È proprio questa domanda che deve essere superata! I suddetti artisti hanno quindi fatto un lavoro rivoluzionario che continua a riverberare nell'arte contemporanea fino ad oggi. Mack segue il principio di "prendere un elemento e poi metterlo in una struttura di ritmo e ripetizione". Queste ripetizioni hanno tutte la loro sensibilità e il loro significato nella struttura generale dell'opera". Le leggi della natura seguono principi simili, perché anche il ritmo giorno-notte o le stagioni ricorrono. La vita è guidata da loro. Heinz Mack è molto interessato a come l'arte e la natura sono direttamente collegate. Come artista, cerca di superare la pittura tradizionale elaborando l'intensità della luce e dello spazio. Riesce a concentrare precisamente questa energia emergente in un luogo specifico e, per esempio, a trasformare un campo di colore in un campo di tensione. La rappresentazione della primavera con la sua natura colorata è un soggetto popolare che si può trovare in ogni epoca artistica. Mack lo traduce in cromatismi di piccolo formato in modo che cominci a vibrare di energia colorata. Nel 1977, "Primavera 2", un gradiente di colore costruito verticalmente di blu prismatico, verde e giallo, è stato dipinto in gesso pastello su carta fatta a mano. Dal blu cobalto al piacevole giallo agrumi, Mack scatena un'affascinante gamma di colori. I colori freschi della primavera sono creati nella vegetazione dalla luce del sole che risveglia la flora dopo il lungo inverno buio. Il gradiente di colore non solo sembra un campo di colore rifratto dalla luce, ma ricorda quasi il capolavoro musicale di Igor Stravinsky "Le sacre du printemps".

Stima 12.000 - 12.000 EUR

Adolph von Menzel (1815 Breslau - 1905 Berlin) - Adolph von Menzel (1815 Breslau - 1905 Berlino) Hofschranze, matita e carboncino su carta forte, formato foglio 29 cm x 20,5 cm, monogrammato, firmato sul verso, probabilmente anni 1880, parzialmente sbiadito, due piccole impronte sferiche nella carta, carta scurita ai bordi, montato, residui di montaggio sul verso, Provenienza: (secondo l'etichetta sul verso) famiglia Ranke, Berlino. Adolf v. Menzel era un artista che riusciva a conservare un'atmosfera comprensibile e realistica nelle sue opere. Attraverso il suo occhio abile è stato in grado di catturare le figure e il loro ambiente in disegni e dipinti ad olio eseguiti. Una delle sue opere più conosciute è probabilmente "Iron Rolling Mill" (1872-1875); mostra gli operai nello stesso mulino ed è diventato praticamente emblematico della rivoluzione industriale attraverso vari gruppi di persone, le loro posture e la visione d'insieme di una scena impressionante. La sua opera è straordinariamente varia, perché divenne noto e fu molto onorato durante la sua vita principalmente per le sue rappresentazioni storicizzanti della vita di Federico il Grande, come nel Palazzo Sanssouci, Potsdam. Menzel produsse già numerosi schizzi di figure per queste opere. Gli schizzi a carboncino, come la "Hofschranze", non solo rappresentavano la figura per lo più in movimento, come qui che fa un passo avanti, ma catturavano anche l'espressione della persona e indicavano il carattere personale. Così, non solo si sviluppano scorci di scene composte, ma le figure rappresentate sembrano in qualche modo vivere nel quadro, respirare, pensare e agire. Sul verso, troviamo un riferimento del 1950 all'autenticazione e alla datazione del 1880 "da parte dello storico dell'arte Dr. Lily Martius dell'Istituto Storico dell'Arte dell'Università di Kiel, esperto della Galleria d'Arte di Kiel per i dipinti e la grafica del XIX secolo". Adolph von Menzel (1815 Breslau - 1905 Berlino) Hofschranze, matita e penna a carboncino su carta piena, dimensione del foglio 29 cm x 20,5 cm, monogramma, verso firmato, probabilmente anni 1880, parzialmente macchiato, due piccoli segni di pressione nella carta, carta scurita intorno ai bordi, montato, residui di montaggio verso, provenienza: (secondo l'etichetta verso) Familie Ranke, Berlino. Adolf v. Menzel era un artista che riusciva a conservare un'atmosfera comprensibile e realistica nelle sue opere. Attraverso il suo occhio abile è stato in grado di catturare le figure e il loro ambiente in disegni e dipinti ad olio eseguiti. Una delle sue opere più conosciute è probabilmente "Iron Rolling Mill" (1872-1875); mostra gli operai nello stesso mulino ed è diventato praticamente emblematico della rivoluzione industriale attraverso vari gruppi di persone, le loro posture e la visione d'insieme di una scena impressionante. La sua opera è straordinariamente varia, perché è diventato noto ed è stato molto onorato durante la sua vita principalmente per le sue rappresentazioni storicizzanti della vita di Federico il Grande, come nel Palazzo Sanssouci, Potsdam. Menzel aveva già fatto numerosi schizzi di figure per queste opere. Gli schizzi a carboncino, come la "Hofschranze", non solo rappresentavano la figura per lo più in movimento, come qui che fa un passo avanti, ma catturavano anche l'espressione della persona e indicavano il carattere personale. Così, non solo si sviluppano scorci di scene composte, ma le figure rappresentate sembrano in qualche modo vivere nel quadro, respirare, pensare e agire. Sul verso, troviamo un riferimento del 1950 all'autenticazione e alla datazione del 1880 "da parte dello storico dell'arte Dr. Lily Martius dell'Istituto Storico dell'Arte dell'Università di Kiel, esperto della Galleria d'Arte di Kiel per i dipinti e la grafica del XIX secolo".

Stima 2.200 - 2.200 EUR