Le opere nelle gallerie

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L'Insecte - "L'Aquila Acrilico, aerosol e posca su legno Opera unica Formato: 61 x 61 x 6 cm Incorniciato in legno nero Per acquistare l'opera L'INSETTO (nato nel 1986) L'insetto è una creatura spesso non amata, ma indispensabile all'ecosistema... Venendo dai graffiti, non è forse per questo motivo che l'artista decide di farne la sua fiamma? Una fiamma che suona come un parallelo tra le sue due ragioni di vita: la natura e la street art, questo movimento che è stato così denigrato fin dalle sue origini e che è già così profondamente radicato nella storia dell'arte! L'Insecte è in origine un graffitaro incallito, appassionato di tipografia e in particolare di lettere della vecchia scuola degli anni Novanta. Ha fatto graffiti per strada, su terreni incolti, su case abbandonate... e con discrezione, apposta sui suoi messaggi di protesta, possiamo decifrare la tag "1sekte", quella che riserva alla strada. Ma L'Insecte è anche un riferimento alla natura, quella che gli è cara e in mezzo alla quale ama vivere. Non si pensi che i graffiti siano riservati alle grandi città, nel corso dei decenni hanno attraversato i campi e le campagne per ispirare, sublimare, (vandalizzare?) le più piccole stazioni di provincia. Nel tempo, il legno è diventato il suo materiale preferito. Sempre riciclato, lo caccia, lo tratta, lo sabbia e lo dipinge. L'Insetto è quindi un mix di natura e cultura hip-hop dei graffiti. È graffitare un gufo su una quercia, disegnare un orso con Posca, denunciare con la morbidezza del tratto e la brutalità delle parole. Perché sì, L'Insecte denuncia e dietro i suoi graziosi animali, i suoi colori caldi e le sue composizioni sapientemente scandite da listelli, il messaggio è chiaro e parla a tutti!

2.200 EUR

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FEDOT IVANOVICH SHUBIN - FEDOT IVANOVICH SHUBIN (1740-1805), ENTOURAGE DI CATERINA II, IMPERATRICE DI TUTTA LA RUSSIA Disegno a matita nera, sfumatura e lavaggio grigio. Raffigurazione del profilo sinistro dell'imperatrice Caterina la Grande, con imitazione a trompe l'oeil di un bassorilievo ovale in marmo in stile neoclassico. Ultimo terzo del XVIII secolo. In una vecchia cornice ovale in legno e stucco dorato. Lievi strappi e restauri. H. 74 x L. 60 cm. Cornice: H. 90 x L. 78 cm. Provenienza Collezione Maurice Druon (1918-2009), scrittore ed ex ministro degli Affari culturali. Opere correlate - Fedot Shubin, Caterina II di profilo sinistro, 1792-1794, disegno a matita firmato e datato, Museo di Stato russo di San Pietroburgo (ill. 3). - Fedot Shubin, Busto di donna sconosciuta di profilo sinistro, 1770, bassorilievo in marmo, Museo di Stato Russo di San Pietroburgo (ill. 4). - Fedot Shubin, Busto di Caterina II, 1771, scultura in marmo, al Victoria & Albert Museum di Londra (inv. A.32-1964, ill. 5). - Fedot Shubin, Busto di Caterina II, 1783 circa, scultura in marmo, Museo di Stato Russo, San Pietroburgo (ill. 6). - Fedot Shubin, Profilo di Caterina II, 1783, bassorilievo in marmo, Museo di Stato Russo di San Pietroburgo (ill. 7). - Fedot Shubin, Busto di Caterina II, 1791, scultura in marmo, nel Museo di Stato Russo di San Pietroburgo (ill. 8). - Fedot Shubin, Cammeo su ambra con il profilo sinistro di Caterina II, 1763, nel Kunsthistorisches Museum di Vienna (inv. XII-161, ill. 9).

12.000 EUR

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Louis DELANOIS - Paire de canapés corbeille en veilleuse Attribuée à Louis Delanois Dimensions : L 100 cm Paire de canapés « corbeille en veilleuse » d'époque Louis XV, attribuée à Louis Delanois (1731-1792) Canapés corbeille en veilleuse en hêtre mouluré. Ils sont finement sculpté à décor de fleurettes en bouquets et branchages de roses. De forme mouvementée, la traverse du dossier est asymétrique et les consoles d'accotoirs sont en coup de fouet. Ils reposent chacun sur six pieds cambrés. Garniture d'un tissu crème brodé de fleurs rouges, jaunes et bleues. Très beau travail attribué à Louis Delanois (1731-1792), maître le 27 juillet 1761 Louis Delanois est l'un des plus grands ébénistes du XVIIIe siècle, également connu sous le nom « Lanoix » Maitre de talent il est autant reconnu pour ses innombrables sièges Louis XV que dans l'innovation du style Louis XVI. Son travail, très prisé, lui vaut de fabriquer des fauteuils, canapés, lits et autres sièges, pour de très importants commanditaires, comme la Comtesse de Barry, le comte d'Artois, le Prince de Condé, le duc de Chartres, le Roi de Pologne Stanislas II et bien d'autres riches collectionneurs. Ses sièges, de structure robuste mais souple, proposent des lignes élégantes et ondulées, les décors sont sobres pour ses créations Louis XV et plus richement ornés pour ses réalisations Louis XVI dont il est l'un des innovateurs. Ses consoles d'accotoirs sont principalement traitées en coup de fouet et les sommets des pieds dessinent régulièrement une sorte de Y ornée de fleurs, comme on peut le constater sur nos canapés. Il est également l'inventeur du dossier à médaillon. En 1777, il se voit contraint de vendre son atelier à son confrère Martin Jullien, puis fait faillite en 1790. Une vente posthume est organisée en 1792. Il reste encore aujourd'hui l'un des plus importants et prisés menuisier de sièges Louis XV. Plusieurs de ses œuvres sont exposés dans des musées, comme : Au musée du Louvre, Delanois est représenté, dans le legs Camondo, par une paire de petites bergères de forme trapue et très joliment mouvementée et par un lit de repos en deux parties On peut également y trouver Un canapé à la reine et une suite de six fauteuils Et un grand canapé Au musée d'art et d'Histoire, de Genève, on peut admirer ces deux fauteuils à la reine, venant de la collection Jean Louis Prevost Le musée de Art Décoratif, nous permet de contempler plusieurs sièges, dont les deux ci-dessous Et au Metropolitan Museum de New York, ce très élégant Fauteuil à la Reine On constate que ces réalisations sont très similaires à nos canapés. Les pieds sont cambrés et dessinés d'une sorte de Y à leur base, ornementée d'une fleur, les consoles d'accotoirs sont en coup de fouet, les sièges sont agrémentés de fleurs sur la ceinture et le haut du dossier et les réalisations sont élégantes mais robuste ; tout comme les canapés ici présentés. Tous ces exemples nous confortent dans l'attribution que nous donnons à nos canapés, comme étant des œuvres de Louis Delanois.

Prezzi su richiesta

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Romain Thiery - Romain Thiery, Requiem per pianoforte N°30, 2017, Fotografia, 100 x 150 x 4 cm, Romain Thiery, nato a Bergerac nel 1988, è un artista fotografo che vive e lavora vicino a Montpellier. Romain è un pianista dilettante che ha iniziato a fotografare più di quindici anni fa, grazie al lavoro della madre nel campo della fotografia patrimoniale. Romain Thiery ritiene che il pianoforte sia profondamente radicato nel profondo della nostra cultura e ha cercato di esplorare lo strumento da una prospettiva originale. Ha deciso di unire le sue due più grandi passioni e si è messo alla ricerca di edifici in cui i vecchi pianoforti sono lasciati al degrado. Dal 2014 ha scoperto più di cento pianoforti, in altrettanti luoghi di suggestiva bellezza. Scene dalle quali non cambia mai nulla, lasciando il posto così com'è. " Anche nel bel mezzo di un Anche nel mezzo di uno spazio degradato, il pianoforte non cessa di conservare la sua potenza. È lì, intronizzato in tutta la sua nobiltà. Oltre al lavoro fotografico, Romain registra in loco, quando possibile, nota per nota, tutti i suoni dei pianoforti che scopre. Questi saranno utilizzati per creare una collezione di strumenti virtuali che l'artista metterà a disposizione del pubblico online e in occasione delle sue mostre. Questo metodo gli permette di creare un modello sonoro realistico, di immortalare il suono di questi pianoforti e di catturarne l'identità. Queste librerie di campioni daranno una seconda vita a pianoforti abbandonati e talvolta difficili da raggiungere, dando la possibilità a centinaia di musicisti in tutto il mondo di farli suonare. Questa ricerca lo ha portato a visitare gran parte dell'Europa e degli Stati Uniti. La serie che ne è scaturita si intitola Requiem for Pianos ed è stata riconosciuta a livello internazionale. Negli ultimi anni ha vinto importanti premi internazionali di fotografia in vari concorsi. Le sue mostre personali e collettive sono state visitate in Nord America, Europa e Asia. Le sue fotografie sono state esposte in gallerie e festival a New York, San Francisco, San Pietroburgo, Tokyo, Seoul, Parigi, Madrid, Tel Aviv e molti altri. Le più prestigiose testate giornalistiche hanno già elogiato o coperto il suo lavoro nelle loro pagine, come El País, Der Spiegel, The Guardian, Daily Mail, Lonely Planet, Cultura Inquieta, Point de vue, Esquire, Beijing News... e nei servizi televisivi di M6 (Francia), DW (Germania), Channel Cuatro (Spagna), TV5 Monde (Francia) e I24 News (Francia e Israele).

3.500 EUR

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Joseph-Emmanuel Zwiener et Léon Messagé - Vetrina di charme attr. a J.-E. Zwiener e L. Messagé Francia Circa 1890 Altezza : 156,5 cm 156,5 cm ; Larghezza : 98 cm ; Profondità : 46 cm Elegante vetrinetta in legno di violetta, impiallacciatura di raso e ormolo di forma curva e bombata. Si apre su due ante curve con cornici a fogliame in bronzo dorato e cesellato, la parte superiore è in vetro molato e la parte inferiore è in intarsio floreale in legno di testa. Poggiata su quattro gambe ricurve che terminano con zampe di leone, l'insieme è ricoperto da un piano in marmo "verde mare". La lavorazione di questa vetrina è caratteristica dei laboratori di Zwiener per la qualità e la finezza delle finiture e di L. Messagé per il design. Biografia: Joseph-Emmanuel Zwiener, nato in Germania nel 1849, si trasferisce in rue de la Roquette nel 1880 dove i suoi laboratori producono una grande quantità di mobili. Copia quasi tutti gli stili, da "Boulle" a "Luigi XVI", comprese straordinarie e personalissime interpretazioni di un esuberante stile Luigi XV. Partecipò all'Esposizione Universale di Parigi del 1889, dove vinse una medaglia d'oro per aver presentato una copia straordinaria del "mobile più famoso del mondo", la scrivania del re Luigi XV, opera di Riesener e Oeben. Il catalogo dell'esposizione elogiava il suo lavoro come "perfetto". Come François Linke, un altro famoso ebanista dell'epoca, Zwiener fece modellare la maggior parte dei suoi bronzi da Léon Messagé, che fu giudicato di fattura superiore. Léon Messagé, ornatista e designer, prediligeva l'asimmetria rocaille nei suoi progetti ornamentali, come appare nelle collezioni di ornatisti come Nicolas Pineau o J. A. Meissonnier nella prima metà del XVIII secolo. Tuttavia, Léon Messagé non si accontentò di copiare i suoi predecessori. Dimostrava originalità, persino stravaganza, come dimostrano alcuni disegni della sua opera "Cahier des Dessins et Croquis style Louis XV". Lavorava realizzando numerosi disegni su carta grigia, prima di passare all'esecuzione di un modello ridotto o a grandezza naturale in rilievo, cera o terracotta. Dal 1885, Léon Messagé collaborò con due importanti produttori di mobili parigini: Joseph-Emmanuel Zwiener e François Linke. François Linke, in particolare, sviluppò un proprio stile di alta qualità, talvolta definito "stile Linke", già all'Esposizione Universale del 1900. Sembra che una delle ragioni principali del suo immenso successo e della sua grande immaginazione formale risieda nel fortissimo legame che esisteva tra lui e questo grande disegnatore. Le influenze reciproche tra i tre artisti citati sono chiaramente visibili in alcune opere.

18.500 EUR

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John CRASH Matos - Serigrafia a 10 colori dell'artista John Crash Matos. 2022 Titolo : Il mistero di Montpellier Limitato a 50 copie. Pubblicato da Anagraphis. Formato 70x50 cm, carta Arches Firmato e numerato a mano dall'artista. Prezzo senza cornice, inviato in un tubo. Pubblicato in occasione della mostra presso la galleria At Down alla fine del 2022 in esclusiva. La galleria At Down è a disposizione per ulteriori informazioni sull'acquisizione di quest'opera. Biografia di John Crash Matos - 1961 : Ha iniziato giovanissimo a realizzare graffiti sui treni di New York prima di esercitarsi sulla tela. Nel 1983 entra a far parte della Sidney Janis Gallery prima di entrare nelle più grandi collezioni del mondo, dal MOMA di New York allo Stedelijk Museum di Amsterdam. Si è imposto all'attenzione del pubblico quando ha coprodotto la campagna pubblicitaria di Peter Stuyvesant con Keith Haring. È diventato noto in Francia quando ha partecipato alla mostra 5/5 Figuration Libre, France-USA al Musée d'art moderne de la Ville de Paris nel 1984. Questa mostra presentava le opere di artisti come Basquiat, Boisrond, Combas, Keith Harring, Tseng Kwong Chi, Di Rosa... e John Matos Crash. Nel 1996 ha dipinto cinque chitarre Eric Clapton Stratocaster, una delle quali è stata venduta per 321.100 dollari. Nel luglio 2006 ha esposto al Brooklyn Museum. Nel 2007, Secret Story ha utilizzato uno dei suoi pezzi per creare l'Eye of the Franchise. Dal 2010 espone ogni anno in Francia, in particolare a Parigi. Ogni due anni espone a Montpellier presso la galleria At Down per una mostra personale.

350 EUR

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Francois Weil - Table Basse en Fer Soudé & Granite Vers 2005-2006 Signée Plateau en verre L-l : 160cm x H : 40cm ------------- « Tout part d’un point, une obsession, on tourne autour, pendant qu’elle tourne elle aussi ; elle tremble, vibre. Une absurdité qui ne se laisse pas démonter, elle s’impose. Elle permet juste de laisser une trace. J’ai pris part à ce moment. » La passion de la sculpture naît vers l’âge de 6 ans chez François Weil. Avant de se lancer, à Paris, à l’École nationale supérieure des Arts appliqués et des Métiers d’art, puis à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts, il réalise ses premières œuvres en terre en 1979. « La sculpture semble plus proche du réel donc bien plus excitante », glisse-t-il. Son œuvre est celle de l’oxymore : elle allie massivité de la pierre et légèreté de sa mobilité, animation et inertie, stabilité et déséquilibre. Le mouvement est partout : les masses rocheuses s’articulent et gravitent autour d’un axe central actionné par le spectateur. Les sculptures animées se transforment en ring où se confrontent la pierre, matière naturelle et expression de la réalité, et un mécanisme « avatar de la construction humaine ». « La technique permet juste de jouer avec la réalité », précise François Weil. Mue par le spectateur, la pierre, s’offre comme un défi à l’apesanteur. C’est un « équilibre instable » qu’exprime François Weil. « L’harmonie ne peut se concevoir qu’en prenant les éléments au plus proche de ce qu’ils sont, en les considérant dans leur état vivant ». Une harmonie du déséquilibre qui se joue de notre perception. « Notre perception et la réalité sont accoutumées à ce jeu de cache-cache, perception empreinte de nos désirs et de nos besoins d’appropriation. L’histoire de l’humanité cherche à comprendre et à maîtriser son environnement. Dans cette quête qui nous concerne nous et nos semblables, nos divers moyens d’expressions ne font que tendre vers la réalité. ». Cette matière manipulée, détournée, tel un jeu de dupe attirera les galeristes français dès sa sortie de l’école en 1989. Dès lors, tout s’enchaîne et en particulier de nombreuses réalisations monumentales d’un bout à l’autre du globe : en Chine et au Guatemala, en Allemagne et en Russie, en Belgique et au Mali... Il s’établit dès lors entre Onzain (Loir-et-Cher) et Issy-les- Moulineaux (Hauts-de-Seine). Cette renommée grandissante lui permit de décrocher le Prix Pierre Cardin de l’Académie des Beaux-arts de Paris, en 1997, et neuf ans plus tard, le Grand Prix de la Biennale de sculpture de Poznan, en Pologne. Dans la lignée de son travail avec la matière, François Weil pratique également la photographie et la gravure. Sa fascination pour l’animation le conduit aussi à la vidéo. « Le réel n’est pas figé, explique l’artiste. La matière n’est jamais immuable, elle entretient toujours un rapport au temps. Réaliser des films permet de prendre des notes ou de transcrire ce fait, même si cela reste une approximation. » Graves et lents, ses films sont loin d’être aux antipodes de sa pratique sculptée. « Une même source nourrit mon travail, malgré le changement de médium. Sculptures, films et gravures se nourrissent l’une de l’autre. Je m’intéresse à des choses très variées sans savoir par avance ce que j’en ferai, sans sujet prédéterminé ou conscient. » Film, gravure ou sculpture, le sujet reste la pierre qu’elle soit basalte, ardoise, granite ou marbre. « Je n’interviens que rarement sur l’esthétique d’une pierre. Ou alors, le plus souvent est- ce pour essayer de dissimuler cette intervention et garder l’esprit de cette matière, conserver sa parole. »

Prezzi su richiesta

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Jana & Js - SANS TITRE (STREETSIGN 09), Ø 60 cm, inchiostro, vernice spray e stencil cartello stradale vintage, 2022 Gli street artist austriaci e francesi Jana & Js dipingono insieme dal 2006 e creano murales policromi con stencil di varie dimensioni. Basati principalmente sul loro lavoro fotografico personale, gli stencil sembrano rispondere e interagire con l'ambiente circostante. Ispirati per lo più dalla città e dalle persone che la abitano, i loro dipinti fondono paesaggi urbani o dettagli architettonici con il ritratto, interrogandosi sul posto dell'essere umano nelle città moderne. Ispirati dal luogo in cui hanno realizzato il loro lavoro, ora si concentrano sulla nostalgia, sulla malinconia. Dopo aver trascorso un periodo a Madrid, in Spagna, dove si sono conosciuti, e aver vissuto un paio d'anni a Parigi, Jana & Js si sono ora stabiliti a Laufen (Germania), una piccola città bavarese vicino al confine con l'Austria. Per esporre le loro opere, scelgono materiali antichi che mostrano il passare del tempo fisico e della storia. Hanno realizzato la loro arte in spazi inaspettati stampando stencil su infrastrutture pubbliche o su prodotti/spazi semilavorati/smantellati come binari del treno, vecchi edifici, pali, pezzi di cemento, vecchi camion, cataste di legno... Sono profondamente ispirati da ogni luogo in cui viaggiano, decifrando il significato sociale in aspetti imprevisti dei paesaggi urbani. Ma ciò che colpisce maggiormente nelle loro opere non sono i panorami in sé, bensì le persone con il loro disagio esistenziale. Hanno un modo unico di mettere in relazione le persone, le loro emozioni, i loro desideri e le loro preoccupazioni con l'ambiente. I loro interventi urbani fondono i soggetti con l'ambiente, provocando riflessioni e coinvolgendo gli spettatori in un dialogo artistico.

1.900 EUR

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TANC - ULTRAMARINA 82 Olio su tela dipinto direttamente sul tubo. 86 x 76 cm Incorniciato in una scatola americana nera. Firmato e datato sul retro "Tanc 2021". La galleria At Down è a disposizione per ulteriori informazioni sull'acquisizione di quest'opera. TANC : Nato nel 1979 a Parigi. Vive e lavora a Parigi. Tanc ha già esposto in tutto il mondo. Ciò che lo caratterizza è l'unicità del suo stile, caratteristica che si comprende meglio quando si apprende che Tanc è cresciuto con i graffiti. Egli ritiene che la street art sia effimera e che l'azione sia più importante del risultato. Per lui, "essere un artista è uno stile di vita", l'investimento deve essere totale e l'integrità assoluta. All'inizio degli anni Duemila si concentra sul lavoro in studio e si distingue subito dai graffitari tradizionali con il suo lavoro basato sulle linee. Una ricerca di sintesi. Prima il suo nome, poi le tag in generale, poi le persone, la musica e infine il suo soggetto preferito: la vita. Essenzialmente basato sulla linea, il suo lavoro non cerca di essere perfetto, ma piuttosto spontaneo. È lo stato in cui si trova a definire la sua densità e il suo rigore. Il battito del suo cuore guida il suo braccio come un metronomo, non deve cercare di controllare questo flusso ma solo di capire la composizione che fa apparire in equilibrio tra il suo conscio e l'inconscio. Compone la sua musica e i suoi dipinti in modo spontaneo. Denso o leggero, rigoroso o destrutturato, Tanc non suona, vive la sua arte. Firma le sue tele Tanc come firma i muri con le sue etichette fin dall'adolescenza. Questa disciplina è prima di tutto lo sfogo istintivo di un bisogno di esprimersi: si riappropria dello spazio urbano gridando con forza il suo nome alla città. Ben presto le lettere scompaiono e Tanc intraprende una ricerca formale astratta. Concentrando il suo lavoro sulla linea e sul colore, rinnova la ricerca pittorica classica confrontandola con la vivacità primaria della street art: preponderanza dell'azione, perfezione del gesto, accettazione della casualità ed espressione di una forte singolarità. Soprattutto, le sue opere colpiscono per l'intensità, la musicalità e la vibrazione delle luci e dei materiali. L'azione, l'energia e l'emozione dell'artista toccano lo spettatore nel modo più sensuale, intimo e immediato.

4.800 EUR

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Persue - Nationalgraff, 2015, acrilico su barriera edilizia in legno di New York, 18 x 95 cm Arredi urbani personalizzati e oggetti del trasporto pubblico graffitati e reinterpretati hanno invaso lo spazio del seminterrato della galleria Wallworks per l'insolita mostra "PUBLIC SPACE IN THE BASEMENT". Si accede alla mostra attraverso una scala ricoperta di tag e graffiti. Pezzi trovati o acquisiti di recente durante la vendita della RATP, gli artisti riprendono tutti i tipi di elementi urbani e del trasporto pubblico: cabine telefoniche, semafori, lampioni, cartelli stradali smaltati, tende di ferro, cassette per le lettere, insegne della metropolitana di Parigi, Mosca e New York, teste di mucca delle fermate degli autobus, segnali stradali e ferroviari, lavandini della SNCF, sedili della RATP e altre parti di automobili... Sette pezzi presentati all'inaugurazione sono ancora vuoti - tra cui l'emblematica M gialla di plastica, piatti smaltati e una porta della metropolitana - e sono destinati a essere personalizzati da nuovi artisti e finalizzati nel corso di future performance artistiche. 36 artisti americani, europei, sud-asiatici e russi del movimento dei graffiti o dell'arte urbana danno nuova vita a tutti questi oggetti di uso quotidiano in un grande e colorato disordine graffitato. Questa nuova collettiva segue il principio delle precedenti mostre collettive che hanno riunito una cinquantina di street artist - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016) - di cui Claude Kunetz detiene il segreto. Adattando il know-how della sua professione iniziale di produttore cinematografico all'allestimento di mostre, va a caccia di mobili urbani vintage che affida agli artisti per la personalizzazione. Recentemente acquisite all'asta della RATP a beneficio del Recueil Social, le emblematiche targhette della metropolitana in plastica gialla M - retroilluminate al neon - e in ferro smaltato, così come i sedili circolari "A Kiko" - inizialmente concepiti, secondo i loro progettisti e creatori, come "resistenti alle bruciature, ai graffi, ai graffiti (sic) e alle sollecitazioni meccaniche" - sono presentati così come sono stati inaugurati. Saranno poi affidati a nuovi artisti che li personalizzeranno, dando loro il tocco finale durante le performance artistiche che si svolgeranno durante tutta la mostra. Accanto ad alcuni vecchi pezzi delle mostre precedenti, due grandi targhe smaltate con i nomi delle stazioni Trocadero e Strasbourg Saint-Denis, rispettivamente di COLORZ e PSYCKOZE, completano questa collezione di elementi di trasporto pubblico e di arredo urbano, tutti liberamente e artisticamente reinterpretati.

800 EUR

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Lode Sebregs - Moda del cappello invernale - Lode Sebregs, anni '30. COLLEZIONE INVERNALE AL GRAND BAZAR "L'inverno al Grand Bazaar". Gouache su carta, disegno per un manifesto pubblicitario di Lode Sebregts. Inizio anni '30. Firmato in alto a sinistra. Dimensioni: circa 70 x 53 cm. Aperto nel Groenplaats di Anversa nel 1885, il Grand Bazar du Bon Marché divenne un nome familiare ben oltre la città. L'apertura dei grandi magazzini di lusso segnò anche l'inizio della piazza come centro della moda. Appena un anno dopo il Grand Bazaar, Vaxelaire-Claes aprì un altrettanto lussuoso grande magazzino all'angolo della Nationalestraat. I bei cappelli e gli abiti eleganti con cui le donne di Anversa sfilavano per le strade all'inizio del XX secolo erano spesso acquistati in uno di questi grandi magazzini sul modello parigino. Oggi dei due grandi magazzini rimane ben poco. Vaxelaire-Claes è stato sostituito da un centro commerciale in fallimento. Il Grand Bazaar è stato trasformato in un hotel Hilton. Il design di questo poster per la collezione invernale deve essere stato creato nei primi anni Trenta. Il berretto degli anni Venti era diventato sempre più popolare. Asimmetrico, alto dietro e basso davanti. Il feltro è stato inamidato in modo che non penda floscio. Lode Sebregts (1906-2002), originario di Anversa, è stato pittore, scrittore, illustratore, insegnante, cartellonista, decoratore e costumista. Sebregts ha all'attivo 85 mostre e un'opera varia di circa 1.000 dipinti. Prezzo: 1.350 euro (compresa la cornice)

1.350 EUR

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Ferdinand Barbedienne, Ferdinand Levillain - Coppia di vasi ad anfora neogreci di F. Barbedienne e F. Levillain Firmati "F. Levillain Fecit" e "F. Barbedienne". Francia Circa 1880 Altezza: 52 cm 52 cm; diametro: 21 cm Coppia di vasi in stile greco realizzati in bronzo con due patine. Ciascuno di essi, a forma di anfora con collo svasato e panciuto, poggia su un piedistallo e una base quadrata. Molto bella l'ornamentazione di allori, ghirlande di frutta e un fregio in bassorilievo, trattato in stile antico, che rappresenta la scena della battaglia dei Centauri e dei Lapiti. I manici sono sostenuti da due maschere. Biografia : Ferdinand Levillain (Parigi 1837-1905) ebbe come maestro lo scultore Jouffroy (1806-1882), prima di debuttare nel 1861 al Salon des Artistes Français, dove espose fino al 1903. Fu all'Esposizione Universale di Parigi del 1867 che si fece notare per aver creato una coppa di bronzo neogreca per la ditta Blot e Drouard. Ma è a partire dal 1871 che Levillain diventa famoso, grazie al sodalizio con il celebre bronzista Ferdinand Barbedienne, che espone nei suoi stand lampade, coppe, anfore e altri candelabri realizzati in stile greco. Levillain trionfò infine all'Esposizione Universale di Parigi del 1878, vincendo all'unanimità una medaglia d'oro per le sue opere in stile antico, tra cui questo vaso neogreco. Il famoso bronzista Servant (1828-c. 1890), nel suo rapporto di giuria sui bronzi d'arte, dichiarò che le sue opere "cesellate come i più bei gioielli" e "con forme così varie e pure (...), sono portate al più alto grado di perfezione". Dopo aver ricevuto una medaglia di prima classe al Salon del 1884 per una coppa intitolata "Gli elementi, i mesi e le stagioni", Ferdinand Levillain ottenne una medaglia d'argento all'Esposizione universale del 1889. Nato nel 1810 e morto a Parigi nel 1892, Ferdinand Barbedienne creò e diresse una delle più importanti fonderie d'arte del XIX secolo. Oltre alla propria produzione, lavorò per gli scultori più rinomati come Clésinger, Carrier-Belleuse e Guillemin. Tutta la sua produzione fu sempre molto apprezzata e la critica contemporanea gli tributò continui riconoscimenti, tanto che all'Esposizione Universale del 1878 lo paragonò a "un principe dell'industria e al re del bronzo".

11.000 EUR

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L'Insecte - "Teschio della giungla Acrilico, aerosol e posca su legno Opera unica Formato: 60 x 60 cm Inquadratura : cornice di legno Acquisire l'opera L'INSETTO (nato nel 1986) L'insetto è una creatura spesso non amata, ma indispensabile all'ecosistema... Venendo dai graffiti, non sarà per questo motivo che l'artista decide di farne il suo fiammifero? Una fiamma che suona come un parallelo tra le sue due ragioni di vita: la natura e la street art, questo movimento che è stato così denigrato fin dalle sue origini e che è già così profondamente radicato nella storia dell'arte! L'Insecte è in origine un graffitaro incallito, appassionato di tipografia e in particolare di lettere della vecchia scuola degli anni Novanta. Ha fatto graffiti per strada, su terreni incolti, su case abbandonate... e, apposta con discrezione sui suoi messaggi di protesta, possiamo decifrare la tag "1sekte", quella che riserva alla strada. Ma L'Insecte è anche un riferimento alla natura, quella che gli è cara e in mezzo alla quale ama vivere. Non si pensi che i graffiti siano riservati alle grandi città, nel corso dei decenni hanno attraversato i campi e le campagne per ispirare, sublimare, (vandalizzare?) le più piccole stazioni di provincia. Nel tempo, il legno è diventato il suo materiale preferito. Sempre riciclato, lo caccia, lo tratta, lo sabbia e lo dipinge. L'Insetto è quindi un mix di natura e cultura hip-hop dei graffiti. È graffitare un gufo su una quercia, disegnare un orso con Posca, denunciare con la morbidezza del tratto e la brutalità delle parole. Perché sì, L'Insecte denuncia e dietro i suoi graziosi animali, i suoi colori caldi e le sue composizioni sapientemente scandite da listelli, il messaggio è chiaro e parla a tutti!

2.000 EUR

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Béfort Jeune - Importante mobile "Boulle" attribuito a Béfort Jeune Francia Circa 1870 Ebano, ottone, tartaruga, bronzo dorato Altezza : 130,5 cm 130,5 cm ; Larghezza : 171 cm ; Profondità : 48 cm Grande mobile a tre ante nella parte anteriore, realizzato in impiallacciatura di ebano. Decorato con un intarsio "Boulle", detto in parte, in ottone su fondo tartarugato. Bellissima ornamentazione in bronzo dorato, con maschere, zampe di leone fogliate e soggetti raffiguranti la primavera e l'inverno sulle ante laterali. Poggia su sei piedi. Biografia: Di notevole qualità esecutiva, questo mobile molto architettonico, molto vicino allo stile Luigi XIV, è certamente opera di Mathieu Befort (1816-c.1880), detto Befort Jeune. Era un ebanista e un commerciante stabilito in rue Neuve-Saint-Gilles a Parigi tra il 1844 e il 1880, specializzato nella produzione di mobili in intarsio "Boulle". André-Charles Boulle (1642-1732) può essere considerato il vero creatore del mobile francese del XVII secolo. Insignito da Colbert, divenne presto il primo ebanista del re, e il brevetto che gli conferì questo titolo lo descriveva come "architetto, pittore, scultore di mosaici, cesellatore-incisore, disegnatore, inventore di figure". Grazie al privilegio reale, A.-C. Boulle poteva permettersi di svolgere attività solitamente riservate a corporazioni diverse. Così non fu solo il grande maestro dell'intarsio in tartaruga e rame, che immortalò il suo nome, con decorazioni "in parte" e "in controparte", ma anche un notevole creatore di bronzi, la cui diffusione costituisce l'altra innovazione di A.-C. Boulle. L'altra innovazione di Boulle fu la diffusione dell'uso dei bronzi, che erano sia decorativi che utilitari, proteggendo gli angoli dei mobili.

38.000 EUR

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Nebay - River Circle, 2021, acrilico e inchiostro spray su tela rotonda, 120 x 120 cm. Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza. Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori". È stato all'inizio del 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare fino in fondo ai suoi sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione e cambia vita per diventare un artista a tutti gli effetti. I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: la sensazione di dipingere all'aperto, nelle strade, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in una vera e propria memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

6.000 EUR

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Estuardo Maldonado - ESTUARDO MALDONADO (NATO NEL 1928) "Recuerdo de una imagen Composizione n°7 1960 Tecnica mista su tela con cera encaustica Titolato sul retro 100,5 x 80,5 cm Opere della stessa serie si trovano presso la Fondazione Estuardo Maldonado Estuardo Maldonado (nato nel 1928) è uno scultore e pittore ecuadoriano che si ispira al movimento costruttivista. Maldonado è un membro della VAN (Vanguardia Artística Nacional), il gruppo di pittori informali fondato da Enrique Tábara. Tra gli altri membri della VAN figurano Aníbal Villacís, Luis Molinari, Hugo Cifuentes, León Ricaurte e Gilberto Almeida. La presenza internazionale di Maldonado è dovuta in gran parte alla sua partecipazione a più di cento mostre fuori dall'Ecuador. Nato a Pintag, nel distretto di Quito, in Ecuador, Maldonado ha lasciato la casa in tenera età per osservare e imparare dalla natura. La natura e i temi indigeni sono stati un'ispirazione fondamentale per gran parte del suo lavoro. Maldonado ha studiato arte alla Scuola di Belle Arti di Guayaquil. Nel 1953, Maldonado ha insegnato disegno e storia dell'arte presso la Scuola Americana di Guayaquil. Nel 1955, Maldonado ha viaggiato lungo la costa ecuadoriana, dipingendo abitanti e paesaggi costieri. El Campo de Los Toros, pastello e inchiostro su carta, 1960. Nel 1955 Maldonado allestisce le sue prime mostre a Guayaquil, Portoviejo ed Esmeraldas. Nel 1956, Benjamin Carrion invita Maldonado a esporre alla Casa della Cultura ecuadoriana, rendendolo il primo artista ecuadoriano a esporre sculture a Quito e Guayaquil. Nel 1957, Maldonado parte per l'Europa con una borsa di studio e viaggia in Francia, Germania, Svizzera e Paesi Bassi, per poi stabilirsi a Roma, in Italia. Maldonado ha frequentato l'Accademia di Belle Arti di Roma e l'Accademia di San Giacomo. Le opere di Maldonado raffigurano astrazioni della natura. Le sue radici ancestrali sono evidenti anche in alcune opere basate sull'immaginario precolombiano della sua zona nativa, le Ande. Allo stesso tempo, è interessato alla natura pulsante dell'universo in evoluzione. È per questa sua intrinseca curiosità nei confronti del progresso e della storia che ha un posto nel movimento artistico costruttivista latinoamericano. Vladimir Tatlin fondò il Costruttivismo in Russia nel 1913. Influenzato dal Futurismo e dal Cubismo, questo movimento si basa su forme geometriche astratte ed è legato a idee architettoniche. Il movimento costruttivista è arrivato in America Latina grazie a Joaquín Torres García e Manuel Rendón. L'universalismo costruttivo è uno stile innovativo creato da Joaquín Torres García che, dopo aver vissuto in Europa per più di quarant'anni, è tornato nel suo paese natale, l'Uruguay, portando con sé nuovi concetti artistici. L'universalismo costruttivo combina riferimenti al mondo precolombiano con le forme geometriche del costruttivismo europeo. Il lavoro di Maldonado è stato celebrato in tutto il mondo per il suo successo nel combinare natura e innovazione, affrontando al contempo il rapporto con le sue radici andine. Nel 2009, Maldonado ha ricevuto il Premio Eugenio Espejo, il più prestigioso riconoscimento nazionale per l'arte, la letteratura e la cultura del suo Paese, consegnato dal Presidente dell'Ecuador.

9.000 EUR

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Arnaud Liard - Azione maggio 68, 2018, tecnica mista sulla copertina originale della rivista "Action", 54 × 37 cm 42 artisti di arte urbana si esprimono sulle prime pagine originali di Action, il giornale attivista del Maggio 68. Fondata a Parigi da Claude Kunetz nel 2011, la Galerie Wallworks si è rapidamente affermata sulla scena dell'arte dei graffiti con mostre personali dedicate a graffitari francesi (Nebay, Tilt) o americani (Rime, Haze) e mostre collettive per le quali gli artisti sono invitati a personalizzare arredi urbani. Originariamente produttore cinematografico, Claude Kunetz adatta il suo know-how produttivo all'allestimento di mostre collezionando mobili urbani vintage che affida come supporto creativo ad artisti del movimento dei graffiti e dell'arte urbana. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) e "Dehors Dedans" (2016), ha fatto una specialità di queste mostre per le quali numerosi graffitari e street-artist intervengono su tutti i tipi di arredo urbano: cabine telefoniche, cassette postali, semafori, insegne luminose, lampioni, cartelli della metropolitana, cartelli stradali smaltati, tende in ferro, fermate degli autobus, segnaletica stradale e ferroviaria, panchine per treni, parti di automobili... In occasione del 50° anniversario del maggio 68, ha ripetuto l'esperienza, questa volta affidando agli artisti le copie originali del giornale Action. Creata dal giornalista Jean Schalit, Action ha pubblicato il suo primo numero il 7 maggio 1968. È servito come relè per le richieste di diversi movimenti studenteschi e comitati d'azione delle scuole superiori. Le pagine di Action furono aperte a numerosi vignettisti come Siné, Topor e Wolinski. Conservati per 50 anni, tutti questi documenti sono stati raccolti all'epoca da Claude Kunetz quando, preadolescente, viveva con i genitori in rue Gay-Lussac. Colpito dall'effervescenza delle barricate che osservava dalla sua finestra, si mise a raccogliere metodicamente questi documenti. La mostra presenta anche una selezione di volantini e documenti dell'epoca.

1.500 EUR

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Romain Thiery - Romain Thiery, Requiem per pianoforti N°4, 2014, Fotografia, 60 x 90 x 4 cm, Lavoro firmato Romain Thiery, nato a Bergerac nel 1988, è un artista fotografo che vive e lavora vicino a Montpellier. Romain è un pianista dilettante che ha iniziato a fotografare più di quindici anni fa, grazie al lavoro della madre nel campo della fotografia patrimoniale. Romain Thiery ritiene che il pianoforte sia profondamente radicato nel profondo della nostra cultura e ha cercato di esplorare lo strumento da una prospettiva originale. Ha deciso di unire le sue due più grandi passioni e si è messo alla ricerca di edifici in cui i vecchi pianoforti sono lasciati al degrado. Dal 2014 ha scoperto più di cento pianoforti, in altrettanti luoghi di suggestiva bellezza. Scene dalle quali non cambia mai nulla, lasciando il posto così com'è. " Anche nel bel mezzo di un Anche nel mezzo di uno spazio degradato, il pianoforte non cessa di conservare la sua potenza. È lì, intronizzato in tutta la sua nobiltà. Oltre al lavoro fotografico, Romain registra in loco, quando possibile, nota per nota, tutti i suoni dei pianoforti che scopre. Questi saranno utilizzati per creare una collezione di strumenti virtuali che l'artista metterà a disposizione del pubblico online e in occasione delle sue mostre. Questo metodo gli permette di creare un modello sonoro realistico, di immortalare il suono di questi pianoforti e di catturarne l'identità. Queste librerie di campioni daranno una seconda vita a pianoforti abbandonati e talvolta difficili da raggiungere, dando la possibilità a centinaia di musicisti in tutto il mondo di farli suonare. Questa ricerca lo ha portato a visitare gran parte dell'Europa e degli Stati Uniti. La serie che ne è scaturita si intitola Requiem for Pianos ed è stata riconosciuta a livello internazionale. Negli ultimi anni ha vinto importanti premi internazionali di fotografia in vari concorsi. Le sue mostre personali e collettive sono state visitate in Nord America, Europa e Asia. Le sue fotografie sono state esposte in gallerie e festival a New York, San Francisco, San Pietroburgo, Tokyo, Seoul, Parigi, Madrid, Tel Aviv e molti altri. Le più prestigiose testate giornalistiche hanno già elogiato o trattato il suo lavoro nelle loro pagine, come El País, Der Spiegel, The Guardian, Daily Mail, Lonely Planet, Cultura Inquieta, Point de vue, Esquire, Beijing News... e in servizi televisivi su M6 (Francia), DW (Germania), Channel Cuatro (Spagna), TV5 Monde (Francia) e I24 News (Francia e Israele).

1.500 EUR

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Nebay - Star Symphony Opus 1, 2021, acrilico e inchiostro spray su tela, 200 x 140 cm Senza mai abbandonare il muro o la strada, Nebay è uno di quei graffitari per i quali il passaggio alla tela è un elemento in più, fonte di esperienze e ricco di scoperte. Il suo stile si ispira ai suoi coetanei newyorkesi, ed è stato uno dei primi a sperimentare il dripping - gettare la pittura a terra - sui marciapiedi parigini e sulla tela. Ricco, colorato e pieno di energia, il suo universo mescola un'accozzaglia di poster dirottati, macchie colorate e astratte, stile selvaggio e dripping su tela, portando un messaggio di rabbia che si tinge sempre di speranza. Graffitista parigino da oltre 30 anni, Nebay ha iniziato a fare graffiti nel 1987 per le strade di Parigi e si è unito al collettivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nato nel 1973, Nebay è uno street artist che fa parte del suo tempo e investe il suo ambiente: la città. Gli piace dire che è "un giardiniere concreto che coltiva colori". È stato all'inizio del 2000, durante un viaggio iniziatico di diversi mesi in giro per il mondo, che è scattato qualcosa: andare fino in fondo ai suoi sogni, pensare in grande. Le letture, gli incontri e la scoperta dei Paesi attraversati - Russia, Mongolia, Cina, Vietnam, Cambogia, Laos e Thailandia - lo hanno reso consapevole del mondo che lo circonda e di ciò che vuole lasciare come traccia. Tornato in Francia, coglie l'occasione e cambia vita per diventare un artista a tutti gli effetti. I graffiti sono un'arte effimera, che abbonda e lo costringe a reinventarsi e superarsi costantemente. Alla fine, i graffiti sono molto più uno stile di vita. In risonanza con lo spazio in cui viene eseguita, rende viva l'esperienza: la sensazione di dipingere all'aperto, nelle strade, sotto i ponti, in luoghi abbandonati... Le facciate su cui lavora sono dinamiche, con irregolarità che non si trovano sulla tela. Appropriandosi dello spazio pubblico e della strada, Nebay fa parte di un approccio antico alla partecipazione alla vita della città. I graffiti, pratica illegale, diventano un atto politico: appartengono alla sfera pubblica e trasmettono un messaggio con connotazioni politiche, sociali o ambientali. Nebay fa sempre in modo di trasformare il suo mezzo in una vera e propria memoria: memoria collettiva, memoria di eventi, memoria individuale... esprimendo la sua ricerca di identità, i suoi sentimenti, le sue dichiarazioni e i suoi omaggi. I visitatori delle sue mostre si permettono così di viaggiare in sua compagnia, cogliendo le emozioni che l'artista generosamente trasmette loro.

9.500 EUR
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